La redención de la Cultura como elemento activo del sistema capitalista. Un acercamiento a la noción del consumo cultural en la actualidad

Esta investigación pretende profundizar sobre la concepción de la cultura como un bien de consumo del sistema capitalista, desde la óptica de la contemporaneidad.

Este es un trabajo de Andrea Fischer realizado para la materia “Taller de Investigación Documental” de la Ibero Ciudad de México (Mtro. Eduardo Portas, Primavera 2018).

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Palabras clave: Consumo, cultura, capitalismo, tiempo libre, ocio, consumo cultural

Introducción

De la relevancia de la investigación y los objetivos planteados

A partir de la revisión de documentos de investigación de los últimos diez años, así como de publicaciones de autores fundamentales del estudio de la comunicación y el entretenimiento, se pretende ofrecer un panorama general del ámbito cultural como elemento activo del capitalismo. Se hizo un análisis la cultura como una mercancía redituable en términos sociales y económicos, desde la metodología de investigación documental, y se llega a la conclusión de los beneficios democráticos de abrir los círculos académicos a públicos más incluyentes.

Cuando se trata de cultura, México salta a la vista por varias razones. El exterior siempre tiene al país como un nido de productos artísticos incunables: la herencia vastísima de los pueblos originarios tiene un peso en el panorama global del que pocos países gozan, así como de los espacios incipientes para la difusión cultura que en México existen. Hay un ánimo general por la innovación en términos culturales: los nuevos formatos atraen públicos distintos, mercados más amplios, miradas más diversos, escenarios más incluyentes.

Con todas estas condiciones en boga, llama la atención el poco énfasis que se hace en explotar estas posibilidades que el país tiene, como recursos naturales que se dejan intactos, a la espera de manos que los atiendan. En este sentido, la presente investigación se justifica a sí misma: en ese intento de explorar qué significa la cultura en la actualidad, y más aún, por qué incide también en las dinámicas del consumo exacerbado que la contemporaneidad exige, y que se ha extendido a todos los ámbitos de lo que el ser humano hace.

En esta misma línea, los cuestionamientos naturales que sirven de eje para este texto tienen que ver con definir qué, cómo, en qué medida y hasta qué punto es que la cultura puede mercantilizarse. ¿Cómo se concibe la cultura en la actualidad? ¿Cuál es el papel del ocio y del tiempo libre, entendidos desde el capitalismo? ¿Cómo es que el ámbito cultural puede resultar interesante en términos de rentabilidad, de ganancia económica?

Todo esto desde la investigación documental como metodología.

De aquí que los objetivos que se desprenden de estas preguntas iniciales tengan que ver con replantear el lugar de la cultura en México desde la perspectiva económica, entendiéndola más que como un bien inaccesible, como una mercancía. Pero también, ése de plantear posibilidades para México a partir de las nuevas tecnologías, que permiten una multiplicidad de formatos con las que en el pasado no se contaban. Por último, abordar al consumo cultural como un escenario real de democratización del conocimiento y del Arte, que ultimadamente, son inherentes al ser humano, y lo definen esencialmente.

Nociones fundamentales sobre la concepción del consumo y la cultura en la contemporaneidad

No es difícil darse cuenta de las múltiples desventajas que sufre el periodismo cultural en México. Independientemente de la falta de interés que muchas veces se tiene hacia esta área de producción literaria, es un medio que habla para sí mismo: una especie de ecos, de variaciones sobre el mismo tema, que fluctúan únicamente en tanto que aparecen nuevos eventos culturales que cubrir o comentar. Es por esto que tienen tan poca distribución, tan poca visibilidad: los temas de los que el periodismo cultural se ocupa atañen exclusivamente a lo que las élites culturales exigen, y de esta manera, es natural que la distribución y extensión de los trabajos publicados en este campo resulte, más bien, reducido. Para abrir el tema, vale la pena mencionar las siguientes consideraciones al respecto de Gabriel Zaid, escritas para Letras Libres:

La prensa nace en el mundo letrado para el mundo letrado. Es el ágora de una república de lectores, que fue creciendo a partir de la imprenta y se volvió cada vez más importante. Nació, naturalmente, elitista, porque pocos leían. Sus redactores y lectores eran gente de libros. Por lo mismo, era más literaria y reflexiva que noticiosa, de pocas páginas, baja circulación y escasos anuncios. (2006, p. 58)

La postura de Zaid no deja de lado el origen elitista del periodismo cultural: está escrito, de acuerdo con el autor, desde el mundo de la Cultura para el mundo de la Cultura. Apelar a la figura del ágora de los griegos es una decisión autoral acertada, siendo que este tipo de producción literaria está hecha para el diálogo entre la élite intelectual, y solamente para sí misma: sólo aquellos que tengan acceso al tipo de información que en los textos podrán realmente entenderlos en su totalidad, por lo que se convierte en un medio altamente exclusivo.

Entonces, sólo aquel que tenga la preparación académica necesaria para abordar y apreciar los artículos periodísticos en torno a la crítica cultural podrá realmente sacarle el provecho que este tipo de textos tienen. Siguiendo con esta línea de pensamiento, no resulta difícil pensar en la precariedad de lectores que el medio sufre. El periodismo cultural quedar reducido, entonces, a ecos de intelectualidad que resuenan en las paredes estrechas de las élites académicas.

Tal vez, por esta misma condición limitante, sea mejor analizar qué sucede más allá de la crítica. Qué sucede detrás de las exposiciones, de los conciertos, de las experiencias multiformes en la que la cultura se expresa en la actualidad. Qué sucede, en fin, con la industria cultural, que se ha hermanado desde el siglo pasado —de una manera creciente y vertiginosa— al mundo del espectáculo y del entretenimiento. ¿Qué propició este vuelco?

¿Cómo es que se ha adaptado la cultura a, incluso, un nuevo marco teórico, a nuevas formas de análisis y de explotación económica? ¿Qué características se han modificado de la antigua percepción de la cultura como un ente aislado del mundo cotidiano? ¿Qué papel funge la tecnología en esta industria?

Este enfoque podrá dar cuenta de cómo es que se ha desarrollado el ámbito cultural a nivel mediático y tecnológico, así como su incidencia masiva en los nuevos públicos, ávidos de experiencias que trasciendan los límites de la inmediatez: que se puedan compartir, rebloguear, retuitear, etcétera. Desde esta óptica, el panorama se amplía. Ya no se trata de ecos resonantes de una élite exclusiva y excluyente, sino de un diálogo más global e integrado, que da cuenta, incluso, de cómo concebimos el mundo que nos rodea, de cómo nos relacionamos con él. Empecemos, entonces, describiendo el porqué del consumo cultural en la actualidad.

Podemos entender este cambio como una consecuencia directa de la globalización. Con el desarrollo y optimización de los nuevos medios, la industria cultural dio un giro irreversible: la capacidad de incidir en las masas y de quedarse en ellas en distintos niveles de la cotidianeidad. Es más que evidente que la batuta la ha llevado, desde finales de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos. Las consecuencias no tan positivas de este liderazgo se ven apenas, como resentimientos que no se habían podido identificar antes, y en diferentes formas. En el caso Europa, por ejemplo, sucede algo chistoso: el lugar de adoptar las formas estadounidenses como un influjo que se debe asimilar, un rechazo absoluto por parte de la población se robustece a medida que la industria avanza.

Es bien conocido el discurso anti-yanqui que ha proliferado en Francia —y en Europa en general, pero el caso francés sirve mejor para ilustrar el punto—: todo aquello que apele a la comida rápida, a las marcas estadounidenses, etc., resulta para ellos poco menos que aberrante. Algo que corrompe la esencia de su país, de sus costumbres, de su ser franceses: en fin, de su identidad nacional. Todo esto está muy bien, pero no puede ignorarse que en Champs-Élysées y a las afueras del castillo de Versalles —dos de los grandes estandartes de la France— hay un McDonalds: el ícono por excelencia de l’anti-france.

Podría entenderse como una trivialidad, pero ciertamente no lo es. Y se liga precisamente a las consideraciones de Pujol en Fans, cinéfilos y cinéfagos: Una aproximación a las culturas y gustos cinematográficos (2011): se trata de esa aversión introyectada que Europa —el Viejo Continente, el que trajo la luz a Occidente, el que siempre llevó la batuta intelectual— siente hacia Estados Unidos por la fuerza con la que intenta colonizar su cultura, en el caso específico del cine.

Como se ha visto a lo largo de los procesos históricos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos ha sabido inmiscuirse en las industrias culturales con una agilidad muy astuta, que otros países no han logrado equiparar: a través de la generación de contenidos no-elitistas, sino más bien, industriales, la producción estadounidense ha arrasado el mercado cultural con su presencia crecientemente hegemónica, y esto ha generado una especie de resentimiento pesado en la ideología europea:

Los Estados Unidos socializan a los inmigrantes ‘educándolos’ en su cultura popular, que es comercial (películas, programas televisivos, música). En cambio, el proceso de integración social en la cultura europea siempre se ha llevado a cabo mediante las obras producidas por las élites intelectuales (literatos, poetas, filósofos), siendo la estética y no el contenido el criterio sobre el que se decide el canon cultural de cada nación. Y la estética es primordial en la tradición de la cultura clásica, no en la industrial. (Pujol, 2011, p. 34)

Siguiendo esta lógica, resulta casi natural que los productos culturales estadounidenses tengan mayor alcance, aceptación y sean más digeribles: están hechos por con la intención doble de entretener y generar consumo, mientras que las obras europeas apuntan por generar una estética clásica, nacionalista, intelectual. No que Estados Unidos sea incapaz de generar este tipo de contenidos, sino que sin duda ha llevado la delantera imparable en este sentido, y ha generado así un proceso de colonización cultural.

Me parece pertinente la explicación que la autora da al fenómeno de la actitud renuente de los europeos con respecto a este papel de liderazgo hegemónico que Estados Unidos ha desarrollado desde el siglo pasado: tiene que ver, de acuerdo con ella, con la manera en la que las élites intelectuales se tienen históricamente en cada territorio. Si bien es cierto que Europa no es un país —y se trata más bien de un continente en sí mismo— y Estados Unidos no es un continente —siguiendo la misma línea—, es interesante el lugar que cada uno asignó en la escala social a la minoría intelectual: los primeros, en un lugar de privilegio; los otros, no tanto.

De ahí que surjan respuestas como l’anti-france, que si bien podrían parecer extremistas—cuando no ridículas—, se entiende muy bien desde esta óptica: no se puede concebir que la Alta Cultura —que los europeos tienen en un pedestal intocable, inamovible, inmaculado— esté siendo difuminada con la inyección de contenidos de menor calidad, de menor factura intelectual: en fin, más populares, que Estados Unidos se ha encargado de generar, particularmente desde el cine.

Me parece que, ultimadamente, de lo que se habla aquí es de un problema de asimilación: la pretensión de mantener intacta la propia idea que los franceses tienen de sí mismos, rechazan categóricamente cualquier indicio de Estados Unidos que venga a infectar su identidad nacional, que tienen bien arraigada para sí mismos. Sin embargo, a pesar de este discurso nacionalista, es indiscutible que la batuta la sigue teniendo Estados Unidos: no únicamente en contenidos, sino en alcance, en formatos y en propuestas de innovación que pueden aplicarse al mundo del entretenimiento. Quizá sea por esto que a los países latinoamericanos no les ha causado tanto conflicto este influjo dominante, y el consumo de contenidos hollywoodenses viene como algo natural, casi, y el consumo de los patrones del norte sea una manera más de respirar.

Es interesante que el consumo cultural en México esté en auge. La historia que el país tiene en términos artísticos y culturales es genuinamente única en el mundo, y quizá sea por esto que en la actualidad se esté aprovechando esta materia prima como nicho de oportunidad económica. Este patrón de consumo obedece a la manera en la que la cultura se concibe en la actualidad, que rompe completamente con la visión tradicional con la que se le consideraba. Más allá de un bien inalcanzable, se tiene al ámbito cultural como un espacio más en el que el capitalismo puede incidir. En cierta manera, entendiéndola como un bien más, como una mercancía, puede sacársele provecho en términos económicos, y la industria se robustece y se hace más sólida. González, experto en Sociología y Politología de la Universidad de Aguascalientes, lo plantea en términos del mosaico cultural que este tipo consumo implica:

Considerar al consumo como un elemento visible de la cultura, que le da sentido a la vida en sociedad, que nos ayuda a comprender su complejidad, y a las mercancías como una serie más o menos coherente de significados (…), representó la caída de un muro intelectual o la creación de un puente entre la antropología y la economía, entre cultura y sociedad, finalmente entre el arte y la vida. (2015, p. 3) Es interesante la manera en la que el autor rebate la postura renuente —herencia de la Teoría Crítica— que se tiene ante la relación de consumo y cultura. Pareciera que los postulados de Frankfurt pierden validez frente al capitalismo: no puede entenderse a la cultura ya sin vérsele como un ámbito redituable más, y entonces, sus posibilidades de alcance se multiplican. En la actualidad no tiene sentido aislar este elemento del accionar humano, sino que, por medio de las dinámicas capitalistas, se le ha integrado, y ya no se siente tan ajeno como a principios del siglo pasado.

El aura académica con el que se empañaba el mundo del Arte se ha disipado ya. Utilizando como vía la óptica del consumo, pareciera que el símil de Walter Benjamin  -que tiene que ver con cómo el aura se desgasta en la era de la reproductibilidad técnica-pierde validez, y se queda como un resabio pálido del pensamiento del despertar del siglo XX. Hoy es posible, efectivamente, convertir los productos y proyectos culturales en bienes del interés público, con el que pueden enriquecerse y hacer de sus tiempos de ocio espacios de realización y sensibilización hacia otras propuestas, otras ópticas, otras maneras de entendimiento.

El mundo de la cultura ve hoy un despertar nuevo: no se trata más de conciliarlo en la penumbra de las galerías exclusivas de eruditos, de coleccionistas, de magnates que, aunque todavía existe, no es el sector que está en un auge incipiente. Se apunta a convertirlo en un bien redituable y alcanzable para el público. Lo cierto es que ésta se ha visto como la solución más viable para hacer crecer la industria cultural, siendo que a través del consumo la gente puede tener más exposición a eso que, de otra manera, ni siquiera podría reconocer como algo con lo que se pudiera identificar. Si bien es cierto que el consumo cultural tiene grandes carencias —la falta de visibilidad, la falta de audiencias interesadas, entre otras— también lo es que las posibilidades técnicas que se han desarrollado en la actualidad —que están al alcance y al servicio de quien logre integrarlas a sus intereses— ofrecen un abanico más extenso al consumo cultural: sí, están las galerías, sí, persisten las salas de concierto y demás espacios convencionales en los que el arte ha acontecido tradicionalmente. Sin embargo, los nuevos formatos forman parte ahora del panorama que debe de considerarse en este ámbito. No pensemos únicamente en las redes sociales, que ciertamente inciden directamente en audiencias bastante más extensas que los medios tradicionales: la realidad virtual se ha integrado ya a las experiencias que el mundo cultural tiene consigo y puede explotar.

De esta manera, es cada vez más amplio el alcance que el ámbito cultural puede expandirse a otros cauces, por llamarlos de alguna manera. Está más cerca de la gente, y puede doblarse, desdoblarse y transfigurarse según convenga, según el alcance sea más masivo, según reditúe más. No es casual que se disuelva la distinción, entonces, entre arte y vida: las dinámicas capitalistas que inciden necesariamente en la industria cultural pueden ser, en efecto, agentes de mutuo desarrollo. Es por esto, quizá, que las barreras entre una instancia y la otra puedan disolverse con más facilidad en los últimos años: más que un bien inalcanzable, la cultura se está convirtiendo en una mercancía que se puede comprar. resulta casi natural que esto sea más llamativo que la producción meramente académica —y por ella entiéndase la crítica, los panfletos, los ensayos que, aunque maravillosamente bien articulados, siguen sin ser cercanos para la masa social—, que si bien existe aún, no es lo que atrae más al público, que busca más bien tener una experiencia: algo que pueda compartirse en sus redes, que le genere recuerdos, y que, en el mejor de los casos, lo exponga a una visión distinta a la suya, que le permita expandir su entendimiento de la realidad.

Andrew Darley, Senior Writer de Polari, explora los límites que se retan con los nuevos medios y formatos en Cultura visual-digital (2002), en donde examina la manera en la que el consumo cultural se ha visto afectado en las últimas décadas por la oferta cada vez más diversa de medios explotables. El texto de Darley no deja de recordarme la manera en la que Platón plantea que las artes tienden a imitar a la realidad, siendo la representación una copia pálida de aquello que el artista quiso imitar de su entorno. La mímesis platónica apunta justamente a que la manera en la que los seres humanos representamos la realidad a través del arte es engañosa, porque no nos la muestra tal cual es: no nos permite ver la Verdad. Esto puede extrapolarse a cualquier tipo de representación, siendo que el autor elige qué parte del universo quiere mostrar, y más importantemente, cómo. La mímesis platónica ha sido cuestionada recurrentemente por la carga moral que la acompaña: para Platón, si no es Verdadero, no tiene validez, y es perfectamente descartable. En la actualidad esta crítica toma un espectro más amplio: con el surgimiento de tecnologías que, en apariencia, sí muestran la realidad tal cual es, la cuestión se profundiza y diversifica sus alcances. De la misma manera, es este uno de los núcleos temáticos que Susan Sontag problematiza en Regarding the Pain of Others, hablando particularmente de la fotografía: si bien es cierto que hay un efecto físico que imprime una imagen de la realidad en un rollo —o en pixeles, actualmente—, siempre hay un fotógrafo atrás de la lente que decide qué va a tomar, cómo y en qué momento.

Siguiendo esta línea, no es difícil pensar en el absurdo del que Darley habla en términos de la imagen que se utiliza en la propaganda:

El hecho de que la cámara se mueva mientras estas sorprendentes sustituciones de imágenes tienen lugar y de que siempre se capten en primer plano refuerza su irónica (paradójica) verosimilitud. (…) La impresión de que todo esto está sucediendo fotográficamente, es decir, como si ocurriera en el tiempo y el espacio reales de la captación cinematográfica (el llamado «espacio profIímico»), sencillamente intensifica su carácter absurdo. (Darley, 2002, p. 156)

El tema fundamental aquí tiene que ver con cómo, dentro del universo particular del anuncio —cualquiera que éste sea—, se toma por cierto —o más bien, verosímil— lo que en él ocurre, a pesar de que es esencialmente absurdo: pensar en que una botella en sí misma traerá yates y compañía deseable al consumidor es, visto desde esta óptica, sencillamente imposible. Sin embargo, lo damos por cierto porque va acorde a lo que el comercial propone, y nos hace sentido porque la secuencia de su narrativa particular es lógica. Podría parecer forzado ligar la verosimilitud propagandística con la mímesis platónica, pero creo que tienen un eje esencial compartido: aquel de cómo los seres humanos representamos, y la manera en la que la Verdad puede ser muy fácilmente sustituible por algo más accesible a nuestro entendimiento de las cosas, y que el autor identifica como verosimilitud. A la manera de Sontag, la botella es una elección de aquel quien decidió manejar así la campaña de Smirnoff, y la línea de Platón se ve pervertida: favorecemos en la narrativa la lógica propia de la situación que se nos presenta, y el absurdo del que habla Darley toma un espectro mucho más amplio: al servicio del capitalismo. Hablar del consumo como un agente de destrucción de muros resulta fundamental para entender el panorama en el que la industria cultural se mueve en la actualidad: no se trata únicamente de un factor económico, sino de un cohesionador social que sirve como pretexto para que la población pueda acceder a otras perspectivas, otras experiencias, otros puntos de vista que de otra manera no podrían conocer. Si bien es cierto que el centro de esta cuestión no es la rentabilidad de la cultura, sí es un factor fundamental para que su desarrollo y alcance sean mayores y más óptimos, siendo que se mueve en el sistema capitalista que rige las dinámicas de Occidente de manera general.

Por lo tanto, el aura de intelectualidad que antaño recubría a la Alta Cultura se resquebraja cuando puede hacerse de ella una mercancía redituable en términos económicos: se vende un producto cultural, con el que la gente puede interactuar, que puede experimentar y que puede apropiarse en términos de vivencias más inmediatas. Es por esto que las consideraciones de González resultan fundamentales para la investigación: entender a la cultura en el contexto actual como un producto inmerso en las dinámicas capitalistas —que además es redituable en el plano experiencial y económico— es el comienzo apenas para poder comprender cómo se concibe hoy en día la relación de arte y vida. Con esta condición, podemos empezar a pensar en que el crecimiento intelectual puede dejar de ser un privilegio de los sectores de abolengo, y se convierta paulatinamente en un bien más democrático, que pueda llevar a la juventud mexicana a la ampliación de sus visiones particulares. Más aún, en el contexto del caso mexicano, por ejemplo, esta posibilidad da cabida a la creación de una juventud pensante, y a priorizar el fomento de la cultura, también, como parte del mundo del ocio que sí aporta algo a la realización personal de la población. Por esto mismo, esta investigación apunta a dar un panorama más o menos general de cómo consume, qué consume y, sobre todo, qué cantidad de cultura está en sus intereses, particularmente en sus tiempos de ocio, aplicándolo a la realidad mexicana y a sus distintas problemáticas, retos e inconveniencias.

La cohesión cultural generada a partir de este tipo de consumo es un nicho aprovechable que, como se ha visto en el caso particular de México, es desperdiciado. Habría que entender, entonces, los múltiples obstáculos que esta élite afrenta no únicamente en términos de visibilidad, como se expuso anteriormente, sino como un elemento del aparato político mexicano que queda en último lugar de interés, en términos de a lo que inversión pública se refiere. Quizá es por esto que resulte tan atractivo para la inversión particular: hay que considerar el caso de las grandes empresas bancarias que sí tienen interés en esta área del consumo, como Banamex, por ejemplo, o las aseguradoras, como Quálitas, que dedican parte de su producción exclusivamente al arte y a los espacios que la cultura ofrece. Además, vale la pena analizar el fenómeno como una consecuencia de la globalización: no podríamos entender el consumo cultural —y consecuentemente, el periodismo cultural— dejando de lado que forma una parte activa de las dinámicas globales, en la que distintos mercados y puntos de vista dialogan, se modifican, se heterogeinizan. Bigott hace un análisis a partir de los medios en términos de que posibilitan, también, la acción cultural:

En estos últimos años, donde el fenómeno de la globalización pareciera ocupar el centro de la reflexión teórica de orden sociológico, surge la interrogante acerca de la posibilidad de que una acción cultural, evidentemente permeada por los medios, pueda generar vínculos societales que garanticen efectivos procesos de socialización. (Bigott, 2007, p. 88)
Con las consideraciones de Bigott surgen varias cuestiones que el gobierno de la Ciudad de México puede atacar directamente, siendo que es una de las ciudades con más espacios culturales —y por ellos entiéndase museos, salas de concierto, galerías, teatros, entre otros— y más efervescencia cultural del mundo. No únicamente en términos de las viejas instituciones que ya tienen historia de fomentar la cultura, sino en espacios emergentes que tienen la posibilidad y el alcance de los emprendedores jóvenes para lanzar proyectos fructíferos y realizables en la realidad actual.
La cultura es un tema que a México le compete particularmente, no únicamente por la herencia vastísima de nuestros antepasados, sino por la producción prolífica que se tiene
al día de hoy. Es un terreno fértil para la educación, para el emprendimiento y para  espacios de ocio que vayan más allá de las cuatro paredes de nuestras casas. Desperdiciar esta materia prima sería un error, no únicamente por la cantidad y calidad que existe actualmente, sino por los nichos de oportunidad de derrama económica que de estos proyectos podrían emanar. Antaño se descalificaba a la cultura de masas como algo que afectaba directamente al gusto estético más puro y elevado. El desarrollo intelectual y económico del siglo XX nos dijo más bien otra cosa, y en la actualidad vemos las consecuencias de este accionar en torno al ocio como medio fértil para el crecimiento de la industria cultural, que se liga hoy en día directamente con la industria del entretenimiento y las empresas creativas. De esto hablan precisamente Nivón y Sánchez Bonilla, en el caso particular de los países latinoamericanos, y con un énfasis especial en México y Chile:

El llamado público masivo tiende a participar tanto del consumo de élite (masivo minoritario) como del marginal popular (masivo mayoritario). El contenido de estos consumos es clasificado por los autores a partir de dos polos opuestos, uno iluminista y otro simbólico expresivo. (Nivón y Sánchez Bonilla, 2012, p. 63)

Es interesante la decisión autoral de difuminar las barreras entre las prácticas de la Alta y Baja Cultura, en términos de lo que se ha observado hasta el día de hoy en las audiencias latinoamericanas, particularmente en el caso de Chile y México. Más aún: que, en ambos países, geográfica y etnográfica tan disímiles, se repita el mismo fenómeno en términos del consumo cultural en sus poblaciones particulares.

La introducción de concepciones como consumo iluminista y simbólico expresivo, me parece, da a entender las intenciones con las que la gente atiende a estos eventos culturales: ya sea para enriquecer su bagaje cultural, o para sentirse identificados con el contenido que están experimentado en sus visitas de ocio. Hay que resaltar que iluminista, en este contexto, tiene que ver con cómo el consumo cultural ofrece un aprendizaje a posteriori; simbólico expresivo, por otra parte, quiere decir aquello con lo que, dentro de un marco cultural, la población pueda identificarse, dado el imaginario colectivo que compartan. El carácter casi antagónico con el que se caracteriza a estos “dos polos”, como se les llama en el artículo, parecieran disolverse en esta propuesta teórica, y me parece una buena aportación para el estudio del consumo cultural en los países latinoamericanos, tan efervescentes —y sin embargo, tan incipientes— en el mapa cultural del mundo.

Lo cierto es que, en la actualidad, la industria cultural se entiende en términos del ocio, y qué tanto puede capitalizarse a través del entretenimiento. No se trata más de algo exclusivo de las clases letradas, por así llamarlas, sino de algo más genérico, que sucede cuando nos tomamos un descanso, en nuestro tiempo sin trabajo: en el tiempo libre, donde el ocio ocurre. Varios debates se han abierto en este respecto, particularmente alrededor del tipo de ocio que nos aleja de prácticas que realmente logren aportar algo al individuo, y que no lo suman en un entumecimiento intelectual más profundo. Así lo apunta Rodríguez Ferrándiz, doctor en Filología de la Universidad de Alicante:

Lo cierto es que no asistimos tan solo a la confusión entre un ocio que eleva y ennoblece y otro que disipa y embrutece —por exagerar los polos—, sino a un solapamiento y hasta coincidencia de los tiempos y los espacios del ocio y del trabajo, de una industrialización, racionalización y comercialización del ocio y de una mirada lúdica, dúctil, informal sobre el trabajo. (2011, p. 151)

No es difícil pensar en que, inmersos como estamos en la era del entretenimiento, los límites antaño fácilmente identificables entre Mass Culture y Mass Leisure se desdibujen. Lo que antes se refería al tiempo libre —ése que ocupamos para realizarnos, para completar la parte más esencial de nuestra psique— ahora puede mezclarse con más fluidez con el concepto de tiempo de ocio —aquel en el que sencillamente se utiliza en lo que nos satisface hacer más allá del trabajo formal*, cuando éste se interrumpe y nos quedamos, por así decirlo, sin nada productivo que hacer—, y esta condición más maleable entre ambos términos permite un campo más amplio de exploración científica y de crecimiento económico, más ad hoc a las exigencias del mundo capitalista en el que nos desarrollamos. Podría decirse, incluso, que esta condición más simbiótica entre estos dos conceptos podría traer grandes beneficios a las industrias culturales. Y por ellas entiéndase toda aquella que atañe a las Bellas Artes, desde los festivales de música —tan en auge en la contemporaneidad, como el Vive Latino o Coachella— como las ferias de arte —como lo que sucede desde hace quince años con Zona MACO en México, también—, que se han tenido que adaptar a las oportunidades que este nuevo entendimiento híbrido del entretenimiento y la cultura ofrece. Se ha convertido en una mercancía más, como aseveraría la corriente de pensamiento crítico a inicios del siglo pasado: la cultura es algo que hoy ya puede entenderse en términos de intercambio económico. Con la proliferación de las redes sociales, como remarca el autor, un abanico más nutrido de posibilidades se abre ante un público ávido de nuevas cosas que hacer, que ver, que experimentar —siendo que la premisa que prevalece aún es la de la inmediatez cambiante. Resulta entonces evidente el diálogo cada vez más inclusivo que se da desde el mundo del Arte —tan exclusivo y elitista en otros tiempos— con las masas, siendo que ahora su ámbito también está entendido desde la óptica del entretenimiento.  De acuerdo con la clasificación de Gomes y Elizalde (2009) de trabajo abstracto, por ejemplo.

Las brechas se han hecho menos robustas y abismales, y un espacio se ha generado para una democracia más amplia en el terreno del consumo cultural: en efecto, sigue siendo consumo, pero mucha gente, por lo menos, tiene la posibilidad de ver un Caravaggio que viene desde los Museos Capitolinos de Roma que, de otra manera, no tendría oportunidad de ver —o conocer siquiera— en su vida.

Creo que esta “confusión entre un ocio que eleva y ennoblece y otro que disipa y embrutece” (Rodríguez Ferrándiz, 2011, p. 151) está justificada, en términos de que funciona en la actualidad para acercar al público una serie de bienes con los que no contaba anteriormente, y que por esto mismo, no debería de satanizársele tan duramente. La cultura, finalmente, sensibiliza e incide en el entendimiento de las personas, por más que se le trate como mercancía. Es por esto que el acercamiento del autor me parece acertado: no se ha perdido el valor cultural, sino que se ha transformado a algo que es más aprehensible en el imaginario colectivo, y que tiene, entones, bastante más alcance que cuando estaba reducido a las élites letradas.

Este estado de ánimo es, por naturaleza, inestable. En todo momento la ‘vida ordinaria’ puede reclamar sus derechos, ya sea por un golpe venido de fuera, que perturba el juego, o por una infracción de las reglas o, más de dentro, por una extinción de la conciencia lúdica debido a desilusión y desencanto. (Huizinga, 2007, p. 37)

Resulta interesante la manera en la que la razón intenta reflexionar sobre sí misma, pero no consiguiese llegar a términos consigo misma, y generase una serie de conjeturas para envolverse, pero jamás para alcanzar su propio centro. Tal vez sea por esto que Huizinga decide alejarse de estas disertaciones sin sentido, y aborda la naturaleza humana desde algo supra-racional, que la deslinda de cualquier parámetro medido con la mente. En Homo ludens, el autor desplaza ese apellido incómodo con el que solemos identificar a nuestra especie —a saber, el sapiens—, para adjudicarle uno que quizá sea más justo, más adecuado, más descriptivo de la esencia humana: a partir del juego. Es innegable el carácter ritual que circunda al espacio que dedicamos a jugar: se trata de una excepción del contingente cotidiano en la que las reglas que rigen el mundo que se queda afuera no funcionan, sino que son sustituidas por otras exclusivas para ese espacio de tiempo definido y efímero. Es, en cierta medida, como una burbuja creativa que irrumpe con el cauce de un río que sigue fluyendo. Sin embargo, en este espacio aislado de la realidad, se encuentra cierta virulencia disruptiva y contradictoria, que Huizinga manifiesta a lo largo el texto en el tratamiento mismo del tema: habla de la inestabilidad del juego, de su incapacidad de definirlo esencialmente, y del carácter casi sacro inherente a este espacio extraordinario de realización humana.

Todo esto tiene que ver con la investigación en curso por la cualidad de ocio que implica necesariamente consumir cultura. Este carácter inestable del ser humano que el autor menciona tiene que ver con cómo concebimos nuestro tiempo libre, y con cómo siempre estamos buscando —en teoría— algo que hacer con él que nos realice y nos complete en un estrato más esencial, más allá del intelecto y de las categorías tradicionales de lo que consideramos Arte o Cultura. Siendo que el consumo cultural se da en nuestros tiempos de ocio, entonces, hay en él un gran campo fértil para explotar, que puede ser redituable en distintos niveles.

Si el tiempo que la población tiene libre puede utilizarse para aumentar su acervo cultural, para conocer más de lo que su país tiene que ofrecerle, para vivir en directo experiencias que les puedan ser gratas en un futuro, es evidente que hay materia prima con la cual hay que trabajar. Más allá de generar experiencias individuales, la industria cultural también apunta a generar una comunidad de experiencias compartidas, lo suficientemente nutridas de espectáculo y entretenimiento para que puedan replicarse en otros eventos, como un modelo de acción. Es por esto que las consideraciones de Huizinga aportan conceptos importantes para la investigación.

Habitamos los tiempos de la multiplicidad de pantallas, el negocio de los formatos, las lógicas de otras emociones, el estallido de las narrativas audiovisuales, la multiplicación de las estéticas, la diversidad de sensibilidades/identidades. Tiempos donde cada uno puede hacer la televisión como se le dé la gana. Lo significativo es lo cercano, lo vital, lo emocional, lo imprevisto… (Rincón, 2011, p. 46)

La perspectiva de Omar Rincón con respecto a la migración transformativa que la televisión ha visto en las últimas décadas no deja de sorprender en términos de la maleabilidad del medio, que siempre está a merced de lo que el consumidor desea. Cuando el aparato físico dejó de interesar, se reinterpretó y adaptó a lo que la contemporaneidad necesitaba: un medio más cercano, más inmediato, con el que el público pudiese identificarse mejor, con el que pudiese dialogar y establecer un contacto, quizá, más genuino que aquel de los contenidos impuestos por las relaciones de poder, ya tan rancias, que la pantalla tradicional imponía.

Este nomadismo mediático (Rincón, 2011), como lo denomina el autor, reinterpreta y extralimita las capacidades humanas de narración y de vivencia de la realidad. Con el éxtasis creciente de las redes sociales, los contenidos pueden adoptar formas que antes eran inconcebibles, y que ahora están a la mano y disposición de aquel que se les acerque: siempre hay algo que contar, y siempre hay alguien que consuma estas historias interminables. Es quizá por esto que el texto circunde la idea de espontaneísmos, que me parece uno de los términos mejor cuñados para describir nuestro tiempo: todo parece suceder en un espasmo que no se acaba, convulso, y que siempre puede transformarse en lo nuevo, lo último, lo que literalmente acaba de pasar.

Lo que me parece central del texto es la perversión en potencia que con esta promesa de posibilidades interminables viene: si bien es cierto que podemos apropiarnos más de los medios, habría siempre que tener un filtro reflexivo con aquello que nos ofrecen. Utilizar ese poder de apropiación para hacer medios pensantes y responsivos, en lugar de regresar a un influjo que entume y que no permite el pensamiento racional, que permanece en la pasividad absoluta. Esto no deja de ser parte del análisis del consumo cultural en los países latinoamericanos: gran parte del consumo en el tiempo de ocio tiene que ver con qué tenemos al alcance, con qué está disponible para que nos entretengamos. Por esta razón, entender esta metamorfosis mediática del contenido y los formatos ayuda a comprender el contexto en el que el consumo cultural se está llevando a cabo, con todas las posibilidades que la tecnología ofrece en la actualidad, así como los nuevos nichos de oportunidad que pueden explotarse, y que permanecen como materia prima virgen, desperdiciada.

Marco teórico utilizado para la investigación

Es indiscutible que el consumo cultural ha dado un giro en los últimos años: uno que, por más que los pensadores más agudos que nos antecedieron intentaron prever, ciertamente ha sorprendido a los teóricos de distintas ramas del conocimiento, y particularmente a esos de la comunicación. El abanico de posibilidades en términos mediáticos se ha expandido considerablemente a partir de las distintas innovaciones que la tecnología ha traído en las últimas décadas, que parece crecer exponencial y vertiginosamente con cada día que pasa. Estos avances han impactado duramente en las dinámicas del capitalismo, así como en los patrones de consumo que la sociedad ha asumido como parte de su accionar cotidiano. El ámbito cultural no está exento de estos cambios. En este sentido, las consideraciones de Henry Jenkins pueden servir como un eje teórico común para esta investigación. Reconocido por sus diversos estudios sobre medios, en particular, Convergence culture: la cultura de la convergencia cultural de los medios de comunicación, es en la actualidad catedrático del MIT en el departamento de Humanidades, en el programa de Estudios Comparados. Las investigaciones de Jenkins en el ámbito mediático revelan la manera en la que la convergencia cultural permite que distintos contenidos asuman formas distintas, y así, tengan más presencia y más alcance en los últimos años. Su análisis gira en torno a la manera en la que las dinámicas del capitalismo han absorbido el ámbito cultural, y lo han convertido en mercancía redituable en distintos niveles:

Las nuevas tecnologías mediáticas han hecho posible que el mismo contenido fluya por canales muy diferentes y asuma formas muy diversas en el punto de recepción. (…) Al mismo tiempo, los nuevos patrones de propiedad mediática transversal que comenzaron a mediados de la década de 1980 (…), hacían más deseable para las empresas la distribución de contenidos a través de esos diversos canales, más que en una misma plataforma mediática. La digitalización estableció las condiciones para la convergencia; los conglomerados corporativos la convirtieron en un imperio. (Jenkins, 2006, p. 22)

Con esto, puede empezarse a entender el panorama general en el que se desarrolla mi
investigación: no únicamente en términos de la multiplicidad de posibilidades que los nuevos formatos permiten para el mundo de la cultura, sino la manera en la que, en la actualidad, se entiende como un nicho de oportunidad económica más. Las consecuencias de esta nueva concepción de la cultura como una mercancía abarcan varios niveles. En una primera instancia, como menciona el autor, en la manera en la que las grandes empresas pueden utilizar este ámbito como pretexto para generar ganancias. Desde otra perspectiva, si se aborda el asunto desde el impacto que puede hacerse para enriquecer a la sociedad, las posibilidades que ofrece este acercamiento a la cultura son bastante superiores a las que existían, por ejemplo, cuando era un espacio exclusivo de círculos académicos. Si bien es cierto que el mundo de la cultura mantiene reminiscencias excluyentes —esto es, de círculos limitados únicamente a catedráticos, eruditos, etcétera—, también lo es que en la actualidad es un espacio mucho más abierto. En esta investigación se intenta demostrar que la postura de la Escuela de Frankfurt-ésa que divide a la cultura en Alta y Baja, que es renuente a abrirla al público, a vulgarizarla no es válida ya el día de hoy. Sí, en efecto: el capitalismo logró absorber eso que ellos entendían como algo reservado para aquellos que pudieran tener un entendimiento más lúcido del Arte en sus múltiples manifestaciones. Sin embargo, el tamiz satanizado con el que los pensadores de la teoría crítica concebían esta condición del capitalismo puede también observarse desde una mirada más amable. Ésa de que a través de este sistema económico también puede democratizarse el ámbito cultural. Esto es así porque, al tener más alcance mediático, se logra también más exposición al público, y de esta manera, la gente puede tener acceso a experiencias que de otra manera ni siquiera considerarían posible de entrada. Es por esto que las consideraciones de Jenkins resultan fundamentales para tener una comprensión más completa y sólida de la manera en la que el ámbito cultural se entiende en nuestros días: en términos del consumo. Entonces, el eje temático de esta investigación puede dividirse en tres cuestiones centrales. La primera: de cómo cada vez más el medio artístico se convierte en un espacio más abierto para todo tipo de público, dada la segmentación tan específica de mercados que existen en nuestra economía. La segunda: la manera en la que la tecnología permite nuevos horizontes para la cultura, en términos de que ofrece un abanico de experiencias bastante más amplio, que resulta más atractivo para las masas (y quizá, también, le sea más cercano, siendo que se puede adaptar a sus necesidades particulares). La tercera, que de cierta menera une las dos anteriores: la manera en la que pueden utilizarse las dinámicas del capitalismo para generar espacios culturales más incluyentes, siendo que el consumo se adapta intuitivamente a las necesidades particulares del consumidor, y que la tecnología ofrece esta adaptabilidad a la cultura actualmente.

Estos tres núcleos temáticos ofrecen un panorama más o menos amplio para describir cómo se maneja y se entiende el mundo de la cultura en el contexto actual. La investigación, sin embargo, se enfoca al caso de América Latina, particularmente el de México. Es innegable el bagaje cultural inherente a nuestro país: nos destacamos en el mapa global por la herencia mesoamericana, así como la colonial y la del arte del siglo XX. Sin embargo, es interesante que la efervescencia no se detuvo en el siglo pasado. En lugar de apagarse, tomó formas distintas, y esto es evidente en las nuevas galerías que apoyan el talento novel, así como en la gran oferta de festivales de música que existe, o en las distintas ferias artísticas que se llevan a cabo desde hace unas décadas.

Con esto queda claro por qué se considera a la Ciudad de México como una capital del arte en la actualidad. Esto es una ventaja estratégica que convierte al país en un agente competitivo a nivel mundial, que puede ser utilizada para favorecer el turismo, y consecuentemente, posicionar a México con una posibilidad interesante para la inversión extranjera. Sin embargo, lo que interesa en esta investigación son las consecuencias positivas al interior que se desprenden de este nuevo panorama que ofrece el mundo cultural, que ultimadamente, tiene que ver con cómo puede utilizarse como un factor de cambio en términos sociales: de exposición a nuevas perspectivas que enriquezcan a la población, y así, se abra una posibilidad de expansión para la democracia.

Conclusiones generales

Con esta investigación se pone en evidencia los beneficios que las dinámicas capitalistas ofrecen al mundo de la cultura en distintos niveles, y cómo, desde la perspectiva de la actualidad, estos pueden beneficiar a los empresarios, a las instituciones y a la población directa e indirectamente. El más práctico, siendo ése de qué tanto puede ser redituable en términos económicos para las instituciones que hagan uso de ellas. En otras palabras: qué tanto dinero puede generarle a una empresa cierto tipo de eventos, de convocatorias, de exposiciones, o cualquier acontecimiento que al mundo de la cultura le competa. Por otra parte, es interesante ver la manera en la que el desarrollo tecnológico, ahora más que nunca al servicio de la segmentación del mercado y de la individualización del consumo, también aporta avances al ámbito del Arte, esto también en diversos niveles. En términos de presencia y alcance de audiencias, en la actualidad es mucho más sencillo estar cerca del público a través de las redes sociales y los múltiples canales de comunicación que están disponibles y que, si se utilizan con precisión, ponen en boca de todo el mundo el contenido que a las instituciones dedicadas a la cultura convenga. Además, no habría que dejar de lado la nueva gama de posibilidades que se abre con los múltiples formatos para presentar el contenido. Es más que evidente que, en efecto, la cultura hoy se concibe como una mercancía más, pero no puede dejarse de ver que lo que la gente busca, por ejemplo, al ir a una exposición, a un concierto, o sea cual sea la naturaleza de este tipo de eventos, es encontrar algo que hacer con el tiempo que les queda de sobra, más allá del trabajo y de las obligaciones que la rutina y la cotidianeidad les imponen. Las audiencias buscan en el arte un medio de escape para experimentar algo más que el contingente nebuloso del día a día, y es justamente por esto que puede resultar tan atractivo en términos de crecimiento económico y generación de empleos. Siguiendo esta lógica, queda claro que el mayor capital para las empresas culturales es el tiempo de ocio, que puede entenderse también como un nicho de oportunidad para el entretenimiento, dirigido entonces a todo aquello que las actividades culturales tienen para sí. En este sentido, si se establece un proyecto cultural con la mira en el tiempo libre de las personas, puede entenderse también que lo que la gente busca actualmente son experiencias que puedan compartir, en el plano más inmediato, a través las redes sociales, y en el largo plazo, a las que puedan regresar como recuerdos memorables en los que lograron percibir algo diferente, o sencillamente algo que les fue grato de vivir. Sin embargo, me parece que todas estas consecuencias del consumo cultural son apenas buenos hallazgos, al servicio siempre del sistema económico que rige nuestro acontecer cotidiano. Lo verdaderamente importante del consumo cultural sobrepasa cualquier doctrina económica, que debería de entenderse, en el mejor de los casos, como una herramienta al servicio de un bien superior. Es por esto que en términos sociales, los beneficios que se desprenden del consumo cultural ocupan un espectro bastante más amplio que el de las ventajas capitalistas de entender al Arte como una mercancía más: el valor fundamental de estas dinámicas radica en el enriquecimiento del criterio de la población al enfrentarse a situaciones distintas, a experiencias que los conmuevan y que les permitan acceder a otros puntos de vista, que no necesariamente comparten, y que los hacen más sensibles al entorno que los rodea en sus distintos contextos. En fin: aquello que nos hace a todos más humanos.

Al tener una población en contacto constante con el Arte y la cultura, se tiene también una democracia más sólida y mejor formada. Hay más capacidad de respuesta y de crítica a las ideologías que permean en la sociedad, así como un pensamiento que rebasa la razón instrumental, tan temida por la Escuela de Frankfurt y tan presente en nuestros días. Si se tiene a gente conmovida por el Arte, en cualquiera de sus manifestaciones, se tiene también un sentir más agudo por las problemáticas que a la sociedad competen, y así, un involucramiento comprometido con la realidad social —y también, una incidencia mayor en términos reflexivos, críticos: democráticos.

Referencias

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