El Grunge: su muerte, la industria y la pérdida de la autenticidad

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ESTE ES UN TRABAJO DE SOFÍA VELASCO PARA LA MATERIA TALLER DE INVESTIGACIÓN DOCUMENTAL, IMPARTIDA POR EL MAESTRO EDUARDO PORTAS (OTOÑO 2014). 

INTRODUCCIÓN

La música siempre ha acompañado al cambio, es por esto que por lo general las décadas de mayor cambio social vienen acompañadas de nuevos y diferentes géneros musicales. Éste no fue el caso de los noventas, en los noventas no se creó ningún gran género sino que se hizo una gran mezcolanza de los que ya existían, pues al ser la década postrevolucionaria, cínica y fatalista de la Generación X, ya la mayoría de los cambios sociales se dieron y lo que se tiene es a una sociedad que se está ajustando a el estado de las cosas, o bien, creando uno propio. En el caso del grunge, se unen el punk de los setentas, junto con gran parte de su ideario y el rock pesado del heavy metal de los setentas y ochentas. (Mazullo 5)

En el caso de la sociedad estadounidense, debe de entenderse el repentino interés hacia el grunge, pues parece ser un género que salió de la nada y cuando toma fama, sus bandas, que eran completamente desconocidas, comienzan a oírse en todos lados y tiene un nivel de éxito comercial mucho mayor al que era de esperarse. Así es como nace el grunge, como un género con algo de discurso preconcebido que es tomado y en general, sobre mediatizado, hasta que él mismo provoca la muerte del mismo género.

Se busca analizar este fenómeno desde el punto de vista de las industrias culturales y como las mismas crean y destruyen tendencias y se intenta explicar desde esta teoría cómo es posible que un nuevo género de tan rápido crecimiento se fragmentara, transformara y de esta manera, en tan poco tiempo, desapareciera sin dejar rastro alguno, excepto los géneros de rock alternativo en los que se dividió.

Al verlo desde la industria cultural, vemos que los medios de comunicación en sí, o bien, la masificación de conceptos y movimientos que nacen del medio mismo se han convertido en un agente en contra de todos aquellos que buscan ser “puros” y ajenos a él: el arte, la música, las ideas, todo lo que inocentemente cree que puede existir en la periferia del medio o que puede beneficiarse de él sin ser transformado. La era de las ideas ha muerto y como dice Marcuse, no hacemos más que actuar ciegamente bajo la dominación de los medios que nos presentan solamente una imagen desublimada y masificada de la realidad. Esta sumisión ante la industria cultural terminará, no por dominarnos, porque ya lo hace, sino por quitarnos cualquier indicio de identidad que podríamos llegar a tener, pues ésta es, a fin de cuentas, su meta, crear tendencias para que las sigamos y recoger aquellas que no le pertenecen para apaciguar a la masa y legitimarse a sí mismo.

La industria cultural es una máquina que nos prefabrica y nos determina todo aquello por lo que debemos interesarnos y por lo tanto aquello que debemos ver, creer y preferir. Nosotros como sociedad aceptamos esta industria como parte de nuestras vidas y no podemos ni queremos salir de la misma a pesar de que nos fascina todo aquello que busca separarse de ella y crear sus propios ideales orgánicos o genuinos. Pero al interesarnos en ellos buscamos, como sociedad, introducirlos a la industria para así alimentar la ilusión de que la industria es en sí orgánica porque en algún momento su producto lo fue. Es por esto que todo movimiento o ideal que surja en el periférico de la industria cultural debe perder legitimidad y por lo tanto unirse o morir del todo. Éste fue el caso del grunge, como lo ha sido de muchos géneros y movimientos, al formarse en el underground de Seattle o la periferia y sin esperar su inclusión y por lo tanto su éxito comercial, el género como tal tuvo que morir y transformarse.

La mayoría de la investigación que se ha hecho sobre la industria cultural se ha basado o se ha hecho en torno a tres medios en particular, la televisión, la publicidad y, más recientemente, el internet. Esto es un gran problema, pues hay muy poca investigación sobre la industria musical, o más específicamente, de la aplicación del concepto de la industria cultural en éste ámbito, de la masificación de la música y de aquellos géneros que nacen y crecen casi a escondidas de la industria cultural. Si no se tiene información sobre lo que estamos viviendo, si no hay investigación sobre este orden mediático y económico que se ha vuelto la industria cultural, estamos condenados a vivir en la ignorancia y nunca poder salir de él. (Hesmondhalgh 30)

Vivimos en una época vacía de significados, una época de desinformación, en la cual a pesar de nuestros esfuerzos por salir de nuestra propia ignorancia, la sociedad misma nos quiere mantener en ella, hemos perdido conceptos, otros los hemos definido y al hacerlo les hemos despojado de valor. Todo esto es un síntoma social de la industria cultural, al igual que de la racionalidad técnica, pues son, realmente, dos aspectos de la misma enfermedad. (Marcuse) Para poder salir de ello, necesitamos primero conocerlo y conocerlo en todos los aspectos posibles, es por esto que es importante que se conozca cómo este fenómeno se ha manifestado de maneras tan conocidas como lo ha sido el nacimiento y el declive del grunge dentro de la industria cultural.

RESULTADOS

El concepto planteado por Horkheimer y Adorno en 1944 de la industria cultural se ha comentado, criticado y utilizado mucho a través de los años, fue usado en innumerables ocasiones para sustentar el discurso anticapitalista de izquierda y las críticas al paso que se dio el siglo pasado hacia una nueva racionalidad, la técnica, pues ilustra bastante bien este nuevo pensamiento y las limitaciones que trae consigo vivir bajo este orden. Es por esto que la industria cultural se ha investigado tanto y en realidad hay gran cantidad de literatura sobre el tema de muchísimos filósofos que han la han analizado y reanalizado, en su momento la utilización del término para describir la problemática de la sociedad llegó a tal punto que se hizo una conferencia de la UNESCO en Montreal en Junio de 1980, en la cual el tema a tocar era el de un programa comparativo internacional que habían promocionado sobre las industrias culturales (Hesmondhalgh 16). El problema con que haya tanta investigación sobre el tema es que mientras ésta puede ser muy relevante en algunos temas, no la es muchos otros, mucha de la discusión alrededor de la industria cultural hace unos años era sobre si Horkheimer y Adorno al hacer su crítica la habían hecho desde un punto de vista demasiado simple al decir que existía solamente una industria cultural, por lo que hoy en día se le refiere más bien en plural, pues dicen que no toma en cuenta todas las diferentes industrias a las cuales se le podría referir como “culturales”. En este caso se va a hablar de una industria en particular, la industria musical, pues cuando se tiende a ahondar en el tema de las industrias culturales, es muchísima más la literatura que habla sobre la televisión, la publicidad o propaganda y más recientemente sobre el internet, que aquella que habla sobre la industria musical.

Sin embargo, sí se le ha dado un enfoque musical en algunas obras, la más completa , si no la más conocida, de las cuales es Sells Like Teen Spirit, en la cual Ryan Moore analiza la música como un muy válido indicador social. En este libro, Moore habla no sólo del grunge, sino del punk, el heavy metal, el glam, el hip hop y muchos otros géneros de música modernos que han sido de gran importancia política y social en Estados Unidos a través de los años. Se refiere específicamente al poder que tiene la música de transmitir el sentimiento general de la población y especialmente de la juventud desde los nuevos géneros que surgen en tiempos de inquietud. Habla del extraño surgimiento de Nirvana como un éxito comercial y de cómo la industria musical se dio cuenta de que los grupos de rock alternativos podían ser comercializados al igual y a veces con menor esfuerzo que sus grupos y artistas sobreproducidos y que de hecho podían llegar a tener mayor éxito. Luego discute no sólo cómo surgieron estos géneros como un síntoma social

También hace referencia a los factores que se tuvieron que juntar para lanzar a Nirvana al estrellato, pues aunque era una increíble banda, tal vez no hubiera tenido el mismo éxito si no hubiera sido el momento correcto. De estos factores el más importante es sin duda que se estaba viviendo el comienzo del declive de las bandas de glam rock o hair metal como Mötley Crue, Van Halen, Poison, Def Leppard, Twisted Sister, Bon Jovi y Guns N’ Roses, esas bandas de rock super estilizado que se jactaba de sus excesos y era famoso por sus extravagantes o elaborados espectáculos los cuales ya no congeniaban con la nueva generación de jóvenes consumidores de los noventas. La denominada “Generación X” era bastante diferente a las generaciones con las que se popularizó el glam y el disco ya que ésta estaba en busca de algo genuino y que reflejara la insatisfacción que sentía en ese momento, por lo que el grunge surgió como la respuesta a una necesidad de expresión y comprensión con la que en ese momento era muy importante que se lidiara por medio de una rebelión contra lo mainstream.

Catherine Strong también habla sobre la música y la industria, pero se enfoca en su mayoría en la pregunta sobre la autenticidad del grunge en su libro Ashgate Popular and Folk Music Series: Grunge: Music and Memory, se refiere a la forma en la que vemos al grunge y al rock en general, pues son géneros que sufren de mucha crítica y escrutinio por su éxito comercial, pues se tiene la idea de que si algo es exitoso a nivel comercial, esto carece de legitimidad y debe de estar igual de sobreproducido que la música pop, pues ésta es la música que inherentemente le gusta a las masas porque se puede escuchar y entender sin ningún trasfondo o inclusive ninguna profundidad de pensamiento. (Strong 4) Sin embargo, Strong plantea que como el grunge tuvo una trayectoria muy corta e inestable, éste creció y murió antes de perder legitimidad y que el éxito comercial lo afectara significativamente, fue tan corto el tiempo del grunge que Nirvana, la banda que hasta cierto punto lideró al género, solamente tuvo tiempo de lanzar dos discos, Nevermind e In Utero, los cuales fueron increíblemente exitosos, pero no pudieron continuar por la muerte de Kurt Cobain, como le pasó a muchos artistas de la época, pues la cantidad de muertes al final de la era del grunge, un plazo de tiempo muy corto, eran excesivas para cualquier género musical. Esto puede sonar extraño si no se sabe que en Seattle, la famosa ciudad de donde salen la mayoría de las bandas de la época, desde los ochentas que surge el grunge como un género estudiantil en bares clandestinos, la moda era la heroína.

Claramente se podía hacer mucho dinero del grunge y la música alternativa, por lo que los money makers comenzaron a involucrarse más. No pasó mucho tiempo antes de que los primeros debates sobre quienes se estaban ‘vendiendo’, cuáles bandas eran ‘verdaderas’ y cuáles no lo eran comenzaran a pasar –hasta los niños de un pueblito en un área rural sabíamos que se debía sospechar cuando de dinero se trataba.” (Strong 2)

DISCUSIÓN

La industria cultural es un monstruo, en general, por lo que se puede leer de diferentes autores, sean Horkheimer y Adorno, Heinz, Hesmondhalgh o Strong, todos están de acuerdo con que la industria, sea una o varias, controla la cultura popular si no es que se convierte en la cultura popular. Y es realmente importante tomarlo en cuenta, pues en teoría, si la industria cultural es lo popular y ésta está ligada con la creación de productos por el único propósito de traducirlos a ganancia monetaria y esto en cambio se traduce en una pérdida de calidad del mismo producto al ser producido no por artistas, sino por los creativos de la manipulación de masas. (Hesmondhalgh 30)

Se debe tomar en cuenta y entender muy bien antes de comenzar que Horkheimer y Adorno crean la teoría con una idea romántica y un poco clasista de lo que ellos consideran que es la cultura, para ellos la cultura y la industria son opuestos, pues creen que sólo el arte y las mayores expresiones de creatividad humana pueden ser consideradas cultura (Hesmondhalgh 31), lo que es entendible pues ambos nacen en familias judías de clase alta o media alta en Alemania, lo que les permite estudiar filosofía en la Universidad de Frankfurt y se adhieren al Instituto de Investigación Social de la universidad, el cual tenía una ideología marxista muy marcada para la cual la exposición a la alta cultura era muy importante. Adorno por ejemplo, inclusive estudió composición musical mientras al mismo tiempo estudiaba filosofía y a lo largo de su carrera prosiguió a escribir mucho sobre la estética desde su conocimiento musical, lo que ayuda a entender por qué mantienen esta idea tan romantizada y un poco antigua de lo que es la cultura que esencialmente niega la cultura de la gente común, la cual lo es todo hoy en día. (Berendzen)

También en la teoría se nota el choque cultural que estaban sufriendo al verse forzados a vivir en Estados Unidos después de huir de Alemania junto con el Instituto cuando los Nazis tomaron control de la Universidad de Frankfurt y los despidieron, pues ya ambos daban clases. En efecto toda la teoría es una crítica a la sociedad estadounidense y mientras hoy en día ésta se puede aplicar en casi cualquier lado, sólo es posible gracias al boom de la globalización de las últimas décadas a partir de cuándo la cultura, o como dicen Horkheimer y Adorno, la industria cultural estadounidense realmente pudo permear en otros lugares alejados geográfica y tradicionalmente de los Estados Unidos.

Según los teóricos, si la cultura es la máxima expresión creativa del ser humano y el arte tiene valor por el simple hecho de existir, y la industria es la fabricación en masa y sin cuidado de productos comerciables, los cuales existen sólo para ser vendidos, entonces la industria cultural es la masificación del arte, lo cual inevitablemente, como es producido en masa y sin cuidado, lleva a un declive en la calidad del producto final, pues ya es un producto hecho para el mercado consumidor poco exigente, no una obra de arte. (Horkheimer and Adorno)

Como se dijo previamente, la industria cultural o como se le dice por su forma plural, las industrias culturales (Steinert) son un monstruo al que le gusta ganar a toda costa. En este caso, la idea de ganar va vinculada con el dinero que se gana explotando sus recursos, sean cuales sean. Es verdad que aunque es difícil saber si la industria cultural se tragó todo lo popular o si lo popular se volvió la industria cultural, realmente lo que cabe rescatar es que si un artista no existe dentro de la industria, éste no existe para el mundo, pues las industrias son todos los medios de comunicación. Es por esto que se deben plantear las preguntas: ¿Es posible existir o ser relevante para el mundo si no formas parte de la industria? Y, ¿es posible sobrevivir dentro de ella sin ser afectado?

Aquí se plantea que no, no se puede existir o tener algún tipo de relevancia en una sociedad que está dominada por una industria cultural si no formas parte de ella y no la dejas volverte un producto. Esto se va a explicar utilizando el ejemplo del grunge. El grunge fue un género musical y por un tiempo toda una subcultura que sin tener nombre todavía, surgió en Seattle, la ciudad estadounidense a mediados de los ochentas. Existía solamente como una escena musical independiente, las bandas eran conocidas y tenían fans, pero solo eran aquellos que también estaban esa escena, fuera tocando en alguna banda o porque los conocían por amigos o personalmente, era un grupo de bandas muy abierto, todo aquel que quisiera hacer música y no fuera malo podía hacerlo.

Fueron dos aspectos los que caracterizaron al grunge en sus inicios, el primero y posiblemente el más importante era su total rechazo al corporativismo musical y lo que éste significaba, pues el grunge surgió como un rechazo a las bandas “falsas” y producidas, realmente lo único que ellos pensaban era que estas bandas eran un espectáculo sin mucho valor musical. Es de ahí donde viene este rechazo, pues al grunge le importaba la música, no la fama, lo que ellos querían era crear algo “real” y que tuviera valor más allá de cómo se podría vender al mercado. Ellos, al menos la mayoría no quería salir de sus bares, les gustaba el ambiente íntimo de tocar para gente a la cual también le gustara la música no porque sonara bien, sino por que trataba emociones, lo que a la industria la tenía sin cuidado. Y realmente éstos jóvenes necesitaban lidiar con su angustia y todo lo que sentían, eran una generación muy rebelde y llena de ira. (Mazullo)

Fue como un chiste cruel –No se suponía que Seattle fuera exitoso. Simplemente se suponía que tuviéramos una increíble escena musical regionalizada y eso era todo. Eso era lo único que cualquiera de nosotros quería –los que tocaban en las bandas pensaban hacerlo unos años antes de tener que ir a buscar un trabajo siendo director de arte en algún lado.” (Prato 318)

El segundo aspecto que caracterizó al grunge ni siquiera fue tanto su sonido, porque a pesar de que se trataba de una mezcla entre punk y heavy metal, realmente el sonido de muchas bandas diferían bastante, tampoco fue que las bandas salieron de Seattle, porque ni siquiera todas eran realmente de esa escena musical, por ejemplo Nirvana provenía de Olympia, Washington, y aunque tocaban en Seattle, su estilo lo habían concebido desde antes. El segundo aspecto es que ellos no esperaban triunfar en la industria de la música, en parte porque no se querían conformar a ella y en parte porque honestamente no le veían futuro a su género, en la radio había algo de rock, pero nada era como lo suyo, en su mayoría era glam rock y si no lo era, era pop, los estragos de la música disco y una que otra banda de heavy metal.

La banda que sorprendió inicialmente fue Nirvana porque no se esperaba nada de su debut, eran muy buenos, pero no eran comerciales, su música era honesta y fatalista y las letras no eran unidimensionales, muchas veces se tenían que pensar para entender, lo que se consideraba que la gente no estaría dispuesta a hacer. Nevermind era un proyecto pequeño en 1991 con una disquera independiente llamada Sub Pop de donde no se esperaba que se volvieran famosos, realmente la expectativa era hacerse promoción y tal vez después de un año de touring que se lograra un disco de oro por unas 100,000 ventas a los fans de la música alternativa alrededor del país. Pero su primer single Smells Like Teen Spirit tuvo tanto éxito que sacó a Michael Jackson del primer lugar en Billboard. (Prato) (Moore)

Es en Smells Like Teen Spirit donde se puede notar la necesidad de una generación por escuchar y tener algo verdadero, la letra demuestra la angustia de todos, el cinismo, la obsesión con su propio fracaso y el muy arraigado sentido de ironía que caracterizó a la juventud de los noventas:

I’m worse at what I do best

And for this gift I feel blessed

Our little group has always been

And always will until the end” (Nirvana)

Otro muy buen ejemplo de esto es la letra de Lithium, otra canción salida de Nevermind:

I’m so happy ‘cause today I found my friends,

They’re in my head

I’m so ugly, but that’s okay ‘cause so are you

We’ve broken our mirrors

Sunday morning is every day for all I care

And I’m not scared

Light my candles, in a daze

Cause I’ve found God” (Nirvana)

Pronto no sólo fue Nirvana, sino Pearl Jam con su primer disco Ten que comenzó a tener muchísima publicidad y atención mediática. Las disqueras comenzaron a seguir este distintivo sonido de regreso a Seattle y comenzaron a hacer contratos con las nuevas bandas de la escena de Seattle, la cual ya había cambiado significativamente desde el éxito de Nirvana.

“Pero cambió a mucha gente. La gente con la que antes salías, hablabas y te tomabas una cerveza era demasiado buena como para hablar contigo.

Conté cuánta gente de la que conocía personalmente no sólo se hizo millonaria, sino multimillonaria es ese corto tiempo. Conté cincuenta y tres. […] Siempre estaban en giras, sus discos se vendían, estaban en todos lados –el dinero siempre llegaba. Y bueno, todo lo que hacían antes, ahora lo hacían diez veces más lo que podían ser drogas, alcohol o indiscreciones con el sexo opuesto.” (Prato 320)

Varias bandas surgieron de lo que los medios veían como la oscuridad de la escena musical de Seattle, como Mudhoney, Soundgarden y Alice in Chains, claro que los medios veían su estado anterior como una oscuridad pues estaban fuera de su “luz”, en la periferia de la industria. Pronto la industria los absorbió como hizo con varias otras bandas. La fama les habrá durado unos buenos tres o cuatro años antes de que fuera tan evidente que todo se comenzaba a derrumbar, el dinero comenzó a ser un problema, las bandas comenzaron a pelear por sus regalías, el sentimiento de comunidad que antes tenían tan arraigado se perdió, los músicos se hundieron en sus adicciones, como Kurt Cobain en la heroína y se dieron cuenta de que quienes los amaban y los seguían no eran más que masa siguiendo la nueva moda, usando sus franelas y sus suéteres flojos que se habían comenzado a vender como un estilo. Ellos no eran más que moda y las compañías de discos esperaban más éxitos parecidos, más del mismo sonido que los hizo famosos. (Prato)

Sí, se puede culpar a los mismos integrantes y decir que fue el grunge el que se destruyó a sí mismo, los integrantes comenzaron a morir o a separarse, muchos ya no aguantaron la presión o sucumbían ante conceptos narcisistas sobre sí mismos, todos pensaban que se habían vuelto el centro del universo porque eran los vocalistas o los compositores, porque fueron el que creó aquel riff o le dio a la banda ese sonido distintivo, todos perdieron ese sentido de comunidad que hacía crear música tan fácil en sus inicios. El problema con culpar a las bandas es que se pierde la idea principal, no fueron las bandas las que buscaron este nivel de fama, la gran mayoría, o al menos las primeras, las que realmente pertenecieron a la escena musical de Seattle, creaban música, no productos mercantiles. Fue la industria musical la que al tener la necesidad de legitimarse a sí misma tras el declive del glam, buscó un nuevo sonido, algo “real”. Para la industria es muy sencillo, si la gente le pide autenticidad, si le pide calidad, la industria se los va a dar, al menos por un tiempo hasta que logre aplacar a la nueva masa y sus nuevas necesidades. Esto fue el grunge para la industria, sirvió para aplacar a la masa un rato hasta que se les olvidara que querían algo nuevo, les dieron algo bueno y único lo fueron transformando en algo que se pudiera producir en masa antes de que la gente se diera cuenta de que estaba pasando. Sí, se puede culpar a las bandas, pero las bandas no generaron la presión bajo la que sucumbieron, eran jóvenes idealistas, muchos muy ingenuos que pensaron que tal vez podían usar a la industria para lograr sus propios objetivos, no que iba a suceder al revés. Fue la industria la que los usó, pero no se dio cuenta de que el grunge tenía un origen ideológico muy particular, lo que creó un conflicto en quienes querían seguirlo, pero vivían con la tentación de la fama. La manera en la que se dio la popularización del grunge iba en contra de lo que trataban de hacer, por lo que al género le quedaron dos opciones, aceptar la industria, transformarse para sobrevivir dentro de ella más tiempo y negar sus ideales anteriores o morir y desaparecer de ella. El grunge escogió la segunda opción.

CONCLUSIONES

La industria cultural, o en este caso, la musical es una máquina que está obsesionada con su propia sobrevivencia. No puede existir sin ayuda externa, pues ella no es capaz de innovar por ser simple máquina, necesita de aquellos que existen fuera de ella para subsistir, pero es una máquina destructiva, pues toma a estos músicos externos con su creatividad y la masifica y los transforma. ¿Es posible existir fuera de la industria y ser relevante? No, no lo es, al menos no en esta sociedad, si no existes en los medios, no existes. Aun cuando se intenta mantener underground, se ha creado una fascinación por lo que se cree que existe fuera de la industria, aunque eventualmente, si tiene suerte, es absorbido por la industria de cualquier manera, hoy en día sucede muchísimo, pero es mucho menos notorio que como lo fue con el grunge. El grunge no era un producto que se pudiera vender como el pop, al grunge originalmente no le importaba si era o no relevante fuera de su escena. ¿Es posible sobrevivir dentro de la industria sin ser afectado por ella? No, tampoco es posible, al menos no si lo que tienes es un producto que difiere de lo que buscan o que creen poder comercializar mejor. Es decir, si un artista pop, llega con una canción pop a una industria como la de hoy que es dominada por el pop, es menos probable que éste se tenga que transformar en comparación con alguien que llegue con un producto menos popular o de menor interés para la industria.

OBRAS CITADAS

Horkheimer, Max; Adorno, Theodor. Dialéctica del Iluminismo. Amsterdam: Querido Verlag, 1944. Impreso.

Hemondhalgh, David. The Cultural Industries. Londres: SAGE, 2007. Impreso.

Berendzen, J.C. “Max Horkheimer.” The Stanford Encyclopedia of Philosophy (2009): s/p. Web. Revisado el 24 de octubre del 2014.

Berendzen, J.C. “Theodor W. Adorno.” The Stanford Encyclopedia of Philosophy (2009): s/p. Web. Revisado el 24 de octubre del 2014.

Marcuse, Herbert. El hombre unidimensional. Barcelona: Editorial Planeta-De Agostini, 1993. Impreso.

Steinert, Heinz. Culture Industry. Cambridge: Polity Press, 2003.

Prato, Greg. Grunge Is Dead: The Oral History Of Seattle Rock Music. Ontario: ECW Press, 2009. Impreso.

Strong, Catherine. Ashgate Popular and Folk Music Series: Grunge: Music and Memory. Surrey: Ashgate Publishing Ltd, 2011. Impreso.

Moore, Ryan. Sells Like Teen Spirit: Music, Youth Culture, and Social Crisis. Nueva York: NYU Press, 2009. Impreso.

Nirvana. Nevermind. Geffen, 1991. CD.

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