El Reguetón y su Influencia en la Sociedad Mexicana: Industria y Preferencia Musical Masificada

Abstract

En México, el reguetón está liderando los primeros lugares en consumo. La industria musical se sostiene gracias a la producción y compra venta de productos como eventos y conciertos, videos musicales, discos, sencillos, entre otros productos para promocionar a los artistas. Debido a que la música es un arte, y a presar que se ha industrializado, sigue existiendo un mensaje que es transmitido a través de ella. Este mensaje es reforzado a través de todos los demás productos, incluyendo la imagen del artista. A través de una investigación documental y el análisis de tres de las canciones que se encuentran en la lista de las más escuchadas en México en Spotify, pretendo dar a conocer cuál es este mensaje y de qué manera influye en la sociedad, utilizando la teoría de Denis McQuail como referencia.

Este es un trabajo de EMILIA SÁNCHEZ realizado para la materia Taller de Investigación Documental en la Licenciatura de Comunicación, Universidad Iberoamericana, Campus Santa Fe (Primavera 2019, Mtro. Eduardo Portas)

Palabras clave: reguetón, industria musical, proceso de comunicación

Versión en PDF-Regueton-Sánchez

Introducción

El reggaetón es un género musical muy popular actualmente en Latinoamérica. Nació en los barrios bajos de Jamaica como una expresión de la cultura urbana. Su objetivo era la protesta y la crítica social, era identificado por su ritmo alegre y muy diferente a lo que es ahora. La migración de jamaiquinos provocó que se empezaran a producir canciones de este género en distintos idiomas, la música latina y jamaiquina se fusionaron creando el reggaetón. Es un híbrido de diferentes estilos musicales como lo son el reggae, Dem Bow, hip hop, beatboxing y rap en español.

Cuando hablamos de consumir, se sabe que existe un proceso comercial que tiene como actores a un productor, un producto y un consumidor. Dicho proceso es lo que hace a una industria. Las industrias culturales y creativas ofrecen productos como música, cine, teatro, publicidad, diseño, televisión, radio, entre otras.

En este caso hablaré sobre la industria musical, la cual, así como todas las industrias culturales y creativas, se relacionan mucho con las industrias del ocio y entretenimiento, es decir, que lo que estas ofrecen son diferentes tipos de productos, entre ellos productos culturales y con el objetivo de entretener al consumidor y llenar de actividades su tiempo libre.

En México, un género musical ha liderado las playlists de Spotify entre los años el 2017-2018, tomando esta como la plataforma de retransmisión más utilizada por los consumidores, significa que en este país el reggaetón es el género más consumido hoy en día. Si retomamos la teoría de McQuail, entonces el que este género sea tan consumido significa que nuestra sociedad mexicana es lo que busca y lo que necesita en cuanto a productos musicales.

Ahora bien, la producción de un artista del medio musical no solo requiere de la creación de una obra musical, sino que también de una imagen y conjunto de productos que la sustenten como el videoclip, el álbum, una campaña publicitaria, etcétera. El conjunto de estos elementos conforman un mensaje concreto para la audiencia la cual va a recibirlo y a partir de este se formará un criterio, es decir, que decidirá si le gustó el producto y va a consumirlo o por el contrario, no piensa consumirlo.

Objetivos

Para la investigación escogí tres canciones de este género, específicamente estas porque durante un largo periodo de tiempo en el año 2018 estuvieron colocadas en la cima de la lista de las canciones más escuchadas en México según Spotify (la plataforma de streaming más utilizada). El objetivo principal es saber cuál es el mensaje que se está transmitiendo a través de este producto. Definiendo la audiencia para el que fue creado, la forma en la que se presentó a esta audiencia y el proceso creativo que se llevó a cabo. Analizar el mensaje visual del videoclip y los símbolos e imágenes que se utilizan, y el mensaje sonoro. También conectaré esta información con un estudio sobre el artista, su imagen, y producción; su papel e influencia en los medios y en el público.

  1. Taki Taki –DJ Snake, Selena Gómez, Ozuna y Cardi B
  2. MIA –Bad Bunny ft. Drake
  3. Calma – Farruko, Pedro capó

Preguntas de investigación

Mensaje:

  • ¿Cuál es el público para el que fue creada? ¿Se logró llegar a ese público?
  • ¿A qué álbum pertenece/ cuál es su contexto creativo?
  • ¿Cuál es el mensaje visual del video de esta canción?
  • ¿Cuál es el mensaje de expresión sonora de esta canción?

Producción:

  • ¿Qué es lo que la audiencia actual busca en un artista o en la música y de qué manera lo encuentra en este personaje?
  • ¿Cuál es la carrera de este artista?
  • ¿Cómo se vende en la industria?

Estado del Arte

Industrias culturales, creativas, de ocio y entretenimiento

Según Rodríguez Ferrándiz, hay una diferencia entre cultura de masas y cultura de ocio; la cultura de masas está enfocada en intereses específicos que son, los contenidos populares, ya sean de cine, de literatura, radio, música, televisión, etcétera. Y el ocio de masa, se enfoca meramente en las actividades recreativas de un  consumidor, y no necesariamente en una industria cultural.

“In Mass Culture, interests listed were popular literature, comics, cinema, radio and television, popular music and advertising. In -Mass Leisure, interests were attributed to the person at play or recreation, not to the consumer of cultural and media industries, although all these activities might be pursued in one’s spare time” (Ferrándiz, 2010,p.150).

La cultura del entretenimiento o de ocio, pretende satisfacer a las personas, que en este caso también son consumidores, a través de productos que les permitan salir de su rutina y vivir un rato de ocio en el cual tenga algo que hacer. Estos productos y servicios pueden ser actividades muy concretas como la literatura popular, el cine, la radio, la televisión, los videojuegos, deportes, casinos, turismo, compras y el consumo de bebidas alcohólicas.

“The (Entertainment Industry), (Vogel, 2004; Caves, 2006) or the concept of -Leisure Industries (Roberts, 2004), or even crossovers such as culture and leisure industries), (Garcfa Gracia & al.; 2000, 2001, 2003) are categories that mix stage productions, popular literature, cinema, radio, television and videogames together with participative sports, betting, gambling and casinos, theme parks and tourism, adult toys and games and even shopping, dining out and the consumption of alcoholic drinks” (Ferrándiz, 2010,p.150).

Este último me parece importante ya que por lo general, el consumo del alcohol está vinculado con un ritual en nuestra sociedad, la fiesta. Esta involucra un espacio en donde existe el consumo de diferentes productos como la música. “(…) las personas modulan sus propiedades acústicas (intensidad, frecuencia y espacialidad) y diferentes repertorios musicales para producir el “lugar”. (…) La música popular, inserta en ese escenario, desempeña un papel significativo en la conformación de la experiencia social e histórica de diferentes grupos que cohabitan y disputan la ciudad” ((Marra & Garcia, 2018, p.37).

Según Silva Marra y Assis García, la intensidad, frecuencia y espacialidad son conceptos clave cuando se requiere de un espacio para relajarse, bailar, tomar unos tragos, y olvidarse de todas las preocupaciones que existen en la vida cotidiana. (Objetivo relevante en la sociedad actual y prueba de esta es el grande consumo que existe del entretenimiento y el ocio). Son estos los momentos en los que las personas salen de su casa para encontrarse en lugares determinados a realizar este ritual que involucra bailar al ritmo de cierta música que tiene ese propósito; para eso fue creada, con la simpleza suficiente para que cualquier audiencia pueda disfrutarla y relajarse un poco dando lugar a la pérdida de la difusión y consumo de música como arte.

Vargas Llosa llamaría a este fenómeno “desnaturalización de la cultura” en su artículoLa civilización del espectáculo:

“Cuando la idea de la cultura torna a ser una amalgama semejante es poco menos que inevitable que ella pueda llegar a ser entendida, apenas, como una manera divertida de pasar el tiempo. Desde luego que la cultura puede ser también eso, pero si termina por ser sólo eso se desnaturaliza y se desprecia: todo lo que forma parte de ella se iguala y uniformiza al extremo de que una ópera de Wagner, la filosofía de Kant, un concierto de los Rolling Stones y una función del Cirque du Soleil se equivalen” (Llosa, 2009, p.15).

“(…) the production of culture and its successive post-production (…) our responsibility as modest but increasingly empowered producers, prescribers or consumers of culture and leisure” (Ferrándiz, 2010, p.154).

En esta cita Rodríguez Ferrándiz se refiere a la cultura como una producción, es decir, que ya no es lo que apreciamos por su significado, trascendencia y enriquecimiento del conocimiento del ser humano, sino que se ha vuelto algo efímero, un alimento para el ocio. El punto es que la gente la consuma.

Ahora vamos a enfocarnos en este asunto del consumismo. Cuando existe una figura pública, en este caso el artista, las marcas aprovechan esta perfecta oportunidad para hacerse más populares apoyándose de esta figura, este ídolo de las masas, quien porta logos, mercancía, entre otras estrategias, de dicha marca. “Las marcas han utilizado la música con la finalidad de conectar con los consumidores, mejorar su imagen y absorber los valores de los artistas pop. Esto es así porque la música comunica, significa y conecta con la identidad de la persona, razón por la cual ha sido utilizada con una finalidad comercial desde principios del siglo XX” (Sánchez-Olmos, 2018, p.306).

“En el caso de la música, el entorno digital ha originado una desmaterialización y pérdida de valor del soporte y un efecto de desintermediación entre artistas y fans. Esta circunstancia ha provocado que músicos y productores hayan acudido a la publicidad como alternativa para la promoción de sus artistas o para diversificar el negocio” (Sánchez-Olmos, 2018, p.306).

No solo las marcas utilizan la música para publicidad, sino que también la música utiliza a las marcas y a los medios digitales con este mismo fin. Una expresión artística y un producto comercial se convierten en uno mismo cuando comparten objetivos y se apoyan los unos a los otros, por ejemplo, la búsqueda dinero y prestigio.

“Los gustos están entonces socialmente condicionados, las armas sociales que definen y marcan lo alto de lo bajo, lo sagrado de lo profano y lo legítimo de lo ilegítimo” (Valencia, 2014, p.174).

Otro punto muy importante para esta investigación es propuesto por Juan Carlos Valencia, quien plantea que los gustos de los consumidores están fuertemente influenciados por su sociedad (clase social, costumbres, etc.) Por lo que puedo deducir que si en México el género musical más escuchado es el reggaetón, entonces los individuos de la sociedad mexicana se ven fuertemente influenciados entre sí y sobre todo que en ciertos grupos sociales será este fenómeno aún más marcado que en otros.

Producto audiovisual

“Frente al declive de las ventas de álbumes, en una época donde la industria musical vuelve a la primacía de la venta del single (esta vez online, mediante venta directa como en iTunnes o por servicios de streaming con publicidad como YouTube), el videoclip se ha transformado en parte esencial de la estrategia promocional en la construcción de imagen de las celebrities musicales como reconocen los profesionales del sector (Schwartz, 2007 e Illescas, 2014). Y no sólo de ellas sino de todas las mercancías relacionadas con la imagen de marca de los artistas” (Illescas-Martínez, 2017, p.87).

A partir de la aparición del internet, la forma de consumo se ha ido modificando. Las plataformas de retransmisión son hoy en día los medios más fuertes de difusión. Los artistas optan por producir sencillos y le otorgan mucha más importancia al videoclip. Específicamente el video musical, no solo difunde y promueve artistas, sino que también es una forma de plasmar la imagen que se ha construido de ellos y promover otros productos con el fin de que la audiencia de ese artista los consuma.

“(…) Las estrellas del videoclip son seguidas, amadas u odiadas, pero en todo caso (re) conocidas por encima de presidentes de gobierno, deportistas, estrellas de Hollywood o líderes religiosos como demuestran los análisis de las principales redes sociales internacionales” (Illescas-Martínez, 2017, p.87).

El videoclip es una herramienta para la música, y es tan trascendente en la  industria y en la sociedad, que sus estrellas terminan siendo los ídolos de los consumidores por encima de cualquier otro ídolo. No importa si a las personas les gusta o no, el hecho de ser conocidas por la mayor parte de la sociedad las hace importantes. (Lo importante es tener fama, sea buena o sea mala)

El videoclip, como medio de comunicación influye directamente en las masas:

“En los últimos años el videoclip mainstream se ha transformado en una mercancía cultural privilegiada dentro de las industrias culturales dominantes para reproducir la ideología y la cultura hegemónica entre la juventud del sistema-mundo. Esto ha sido así tanto por el atractivo y la funcionalidad de sus características ideológico-culturales de su contenido como por sus características económicas; tanto por su valor de uso como por su potencial para realizar el valor de otras mercancías asociadas y garantizar la reproducción ampliada de capital” (Illescas-Martínez, 2017, p.87).

Algunos ejemplos de empresas que producen estos contenidos:

“Sólo tres grandes empresas discográficas multinacionales (Universal, Sony y Warner) controlan la mayoría de la producción y difusión (mediante YouTube/Vevo) del videoclip mainstream. Debido a la estructura de la toma de decisiones estrictamente piramidal que rige en el interior de estas enormes industrias culturales con su escalafón de gatekeepers perfectamente jerarquizada (Passmann, 2012; Tannenbaum y Marks, 2012 e Illescas, 2015), el poder de decidir qué tipo de artistas, canciones y vídeos llegarán a las masas radica en unos pocos individuos de lo que se ha venido a llamar la oligarquía mediática (Illescas, 2015). Más específicamente en un élite capitalista-mediática que con sus decisiones influirán notablemente en la formación y reproducción de las cosmovisiones e ideologías de los jóvenes de todo el mundo” (Illescas-Martínez, 2017, p.87).

“(…) reconociendo su efecto económico y global (…) el videoclip también se convierte en un producto, cuya elaboración, distribución y aceptación se nos presenta atractiva” (Dow & Uribe-Jongbloed, 2017, p.3).

El videoclip es un producto del cual se puede ganar la cantidad de dinero que sea.

“De esta objeción podría pensarse una clasificación inicial, una “clasificación tipo”, esta vez tripartita, que engloba las formas posibles que puede tener un videoclip y que tendría en cuenta:

  • Videorregistros (live performance)
  • Videoclips narrativos
  • Intérprete absoluto
  • Intérprete parcial
  • Intérprete ausente
  • Videoclips no narrativos”(Dow & Uribe-Jongbloed, 2017, 4-5)

Los videos musicales pueden clasificarse de acuerdo a su contenido. La narrativa de un videoclip es algo importante con base en el mensaje que se quiere dar al público y generalmente va de la mano con la música y si no, con el artista y su forma de mostrarse al público.

Otro autor que comparte esta teoría es Jódar-Marín que dice que más que solo imágenes y sonido, la narrativa y secuencia de estos influyen en el mensaje que se desea transmitir: “Dependiendo de su articulación narrativa, los videoclips musicales suelen clasificarse dependiendo del mayor o menor desarrollo del discurso narrativo frente a aquellas propuestas en las que el principal atractivo reside en el interés y fuerza de sus imágenes y la puesta en escena visual” (Jódar-Marín, 2017, p.121).

“La música condiciona la iconografía de la imagen” (Jódar-Marín, 2017, p. 120)

Ahora para adentrarnos más en el tema de la música y su relación con el video musical, el cuanto al videoclip de una canción, éste no podría existir sin ella, ya que a pesar de que es contenido audiovisual, está hecho al servicio de un artista de la industria musical. El contenido de la canción estará relacionado directamente con el video musical y con la producción del artista.

La producción de un artista es la creación de un ícono, el cual tiene un objetivo fijo, que es transmitir determinado mensaje y mostrarse ante la audiencia.

“En los últimos años, las plataformas de alojamiento de vídeos como Youtube y, concretamente, el streaming de vídeo, han favorecido una expansión sin precedentes de la distribución de contenidos audiovisuales por la Red” (Jódar y Polo, 2009, p.120).

No solo la música ha sido apoyada por las plataformas de retransmisión, éstas también son el medio por el cual estos videoclips musicales han tenido todo el éxito masivo.

El videoclip, debido a su contenido narrativo a través de imágenes y símbolos, no solo pretende dar forma al artista y al producto, sino que también es utilizado para hace publicidad a otras marcas u otros artistas o empresas involucradas en la creación y difusión. Esto lo explican Ana Sedeño-Valdellós y Carmen Gaona-Pisonero de esta forma:

“En el caso del videoclip, se debe señalar su naturaleza estética con objetivo publicitario, como formato dependiente de la música popular. Así, el videoclip realiza una tentativa por sustituir o superar la fruición directa de la música en vivo, con un reemplazamiento de su recepción colectiva (en el concierto) por la doméstica e individual en una pantalla” (Ganoa-Pisoneros & Sedeño-Valdellós, 2018, p.118).

El videoclip tiene, no solo la intención de ser parte de la obra musical y sustituir la experiencia colectiva de música en vivo para una individual en una pantalla, sino que también se lleva a cabo con fines publicitarios.

“(…) el videoclip puede entenderse como “maquinaria ideológica”, como una forma de elaborar representaciones sociales que moldean cuestiones de raza, sexualidad o género” (Vernallis, 1998, p.118).

Esta podría ser otra variante dentro del mensaje encriptado en el videoclip. A través de este medio se juega con estereotipos sociales, se presentan ideas de interés social para difundir en la audiencia un criterio o una postura en contra, a favor o para persuadirlos de modificar sus creencias.

Reggaetón

“La crítica apunta sobre todo al perfil eminentemente comercial del género y a su contenido, más cuestionado que la forma. Contrariamente, sus seguidores afirman que en esos mismos rubros criticados radica la esencia de su disfrute; actitudes desafiantes encontradas sobre todo en la juventud” (Lavielle-Pullés, 2013, p. 113).

El reguetón es un género musical bastante polémico. Sin embargo, los jóvenes lo prefieren, a pesar de que su intención es meramente comercial y su contenido es bastante bizarro en algunos casos. Más que un arte se ha manifestado como un producto de consumo, alimenta el ocio de los jóvenes, quienes muy frecuentemente  buscan sólo eso, entretenerse.

“Los marcos teóricos del tema consumo deben ajustarse a su diversidad, que estriba no sólo en la variedad y diferencia de los productos simbólicos, sino en las distancias de contextos en términos políticos y económicos”(Lavielle-Pullés, 2013, p. 114).

El consumo no solo abarca conceptos referentes a los productos, sino que también depende mucho del contexto del consumidor o de una región consumidora en específico. La cultura de una sociedad y su situación política, económica y social, van a ser puntos clave para analizar los productos que esta sociedad consume en términos generales. En este caso la sociedad mexicana.

“La expansión social a gran escala del consumo musical se fortalece gracias a la acción mediática y a los soportes tecnológicos. Ello conduce a la ubicación de la música en el núcleo de redes comunicativas y socializadoras, físicas y virtuales, sobre todo juveniles” (Lavielle-Pullés, 2013, p. 114).

En una sociedad en donde existen los medios de comunicación y las tecnologías suficientes, éstas se convierten, no solo en herramientas para el consumo sino que también en herramientas que efectúan la convivencia social, la transformación de una cultura y a la comunicación.

“(…) los actores están bajo la influencia directa o indirecta de consumos musicales condicionados por espacios de sociabilidad, criterio que nos hace plantearnos una interrogante medular: ¿qué se entendería entonces por la acción de consumir?” (Lavielle-Pullés, 2013, p. 115).

“Ello condiciona un uso y apropiación musicales que describen un arco de prácticas —diferenciadas—, desde la elección de la música, la adquisición del disco, el baile, canto y disfrute, hasta una apropiación menor —influenciada por la saturación sonora de melodías— externalizada en la escucha, el simple marcaje rítmico, el reconocimiento de los cantantes y exponentes visuales de los géneros musicales y la interpretación de sus significado” (Lavielle-Pullés, 2013, p.116).

El consumo puede depender del espacio de sociabilidad. El consumo de la música abarca mucho más que cualquier otra industria cultural; no solo depende del sonido, también depende del ambiente donde se produzca este mismo. Esto nos habla de otra influencia social que es ejercida para que las masas consuman estos productos; el espacio social.

Los grupos sociales de los jóvenes son diferentes a los grupos de adultos o mayores ya que realizan diferentes actividades y consumen diferentes productos que ellos. Rosas Roldán, Camira Elizabeth realizaron un estudio acerca dela actitud que tienen los jóvenes en relación a el reggaetón.

“Los divos de reggaetón inicialmente  empleaban esta categoría  para manifestar temas comunitarios. Sin embargo, al transcurrir los años este  propósito fue olvidándose ya que muchos interpretes  priorizan temas  alusivos al sexo y violencia contra la mujer. Este género tiene letras que contienen temas sexuales que denigran a la mujer. En las letras de algunas canciones de reggaetón habla sobre la mujer que es una “perra”,  “que la mujer se muestra en celo permanente”, “a ella le gusta que le den duro  y se la coman“; ante esa situación podemos darnos cuenta que ya no existe un respeto hacia la mujer” (Rosas Roldán, 2017, p.11).

En sus origines, el reggaetón abarcaba temas comunitarios, no tanto sexuales, y está influenciado en otros géneros como el reggae, que contienen temas muy diferentes a lo que es ahora el reggaetón. Esta autora hace hincapié en el tema de que éste género musical provoca problemas sociales. Tiene contenido sexual explícito y denigra a la mujer a través de sus letras.

Esto es cierto, en general, las canciones de reggaetón tienen estas características y es un género que se ha creado esa fama, sin embargo, creo que también deben de existir artistas del género que sean la excepción a la regla. Incluso hay mujeres que interpretan reggaetón. Es ahora tan consumido que varios artistas influyentes en el medio y de otros géneros populares, han colaborado en canciones de reggaetón, como Reik, Thalía, Shakira, Luis Fonsi, Enrique Iglesias, Justin Bieber, entre otros. Por esto difiero con la tesis de esta autora, creo que no se debería de satanizar a un género musical o a un producto sino a la sociedad que lo consume. Además, hay que saber distinguir entre lo que es el género musical y lo que es un producto comercial o la intención de determinados artistas o productores musicales.

Marco Teórico

Denis McQuail

Denis McQuail es un teórico de la comunicación que habla sobre los beneficios y los peligros de la comunicación de masas. Ha escrito una docena de libros desde 1968. Su trabajo generalmente va referido a teorías que explican la comunicación y sus aplicaciones, ha educado al público en relación con la teoría de la comunicación.

Este autor ha brindado a la teoría de la comunicación conceptos fundamentales en este campo de estudio que hasta hoy día se siguen utilizando. Éste define a los medios de comunicación como instituciones que operan independientemente del estado y se relacionan con su audiencia de forma unidireccional. Esta es la razón por la que resulta bastante útil en esta investigación, sus conceptos están íntimamente relacionados con ella.

Sociólogo y comunicólogo británico, estudió historia y administración en la Universidad de Oxford y se doctoró en estudios sociales en la Universidad de Leeds. Ha sido profesor de las universidades de Leeds y Southampton y en la norteamericana Annenberg School of Communication de la Universidad de Pennsylvania. Fundó la revista European Journal of Communication.

Concepto Cita textual Referencia
Interdependencia (…) la sociedad crea demanda de información y de entretenimiento a que responden los medios, más los recursos de dinero y de tiempo necesarios para el desarrollo de la industria de las comunicaciones (…) Las dos influencias están tan entrelazadas que no se puede concebir la comunicación de masas ni las formas modernas de la sociedad sin su contrapartida y ambas son condición necesaria, pero no suficiente, de la otra. McQuail, 1991, p. 48
Autonomía (…) ayuda a salvaguardad la libertad de las sociedades para elegir sus medios de comunicación y demás formas culturales, para resistir, por ejemplo a la insistencia de que deben crear unas instituciones de medios de comunicación seculares, modernas y basadas en el mercado. McQuail D. (1991) p. 56
Imperialismo cultural La idea de que los medios de comunicación pueden colaborar a la modernización introduciendo los valores occidentales conlleva el precio de destituir los valores tradicionales y la desaparición de las auténticas culturas locales. McQuail D. (1991) p. 53
Cambio individual de valores La idea fundamental es que los medios de comunicación fomentan y ayudan a difundir un sistema personal de valores favorable a la innovación, la movilidad, la realización y el consumo. McQuail D. (1991) p. 49

 

Según McQuail, los medios masivos de comunicación producen lo que la gente consume y la gente consume lo que estos producen, es decir, que existe una interdependencia entre ambos sectores. El producto que se publique en los medios tendrá que ser uno que la audiencia vaya a consumir en mayor cantidad y la audiencia solo podrá existir si existe el producto para consumirt. No obstante, el autor habla también de una autonomía entre estos dos sectores. El concepto de autonomíase refiere a que los receptores de la información son totalmente libres de decidir si quieren consumirla y elegir los medios que desean utilizar, lo cual quiere decir que lo medios de comunicación pueden no estar tan relacionados con la ideología de una sociedad o ejercer un impacto radical en la cultura.

Los medios masivos de comunicación llegaron a México desde el siglo XIX que fueron creados y evolucionando, se podría decir que es un país privilegiado en cuanto a avances tecnológicos e industriales debido a las relaciones que ha tenido con países más desarrollados y a la diversidad de recursos que tiene, entre otras cosas. Quiero enfatizar en las relaciones con otros países para poder explicar el siguiente término de McQuail que es imperialismo cultural.

El imperialismo culturalse refiere a que una cultura “modernizada” o primermundista ejerce cierto poder sobre otra que no lo es o que es segunda o tercermundista. En el caso de México, esta cultura es la de la potencia mundial más cercana a nosotros, Estados Unidos. Muchos de nuestros avances económicos y tecnológicos se los debemos a este país y por eso también nos dejamos llevar por su forma de consumo. La práctica económica es un factor importante en la cultura de una sociedad. Los Estados Unidos de América es el país capitalista por excelencia, por lo que puede influenciar mucho a los demás países que practicamos este mismo sistema económico.

En el caso del reggaetón no pareciera que sea tanto la influencia de este imperialismo cultural, ya que es un género latino y Estados Unidos también es uno de sus más grandes consumidores. Es más bien un producto cultural transmitido de sur a norte. Sin embargo, el imperialismo cultural no se puede descartar del todo ya que en el momento en el que la potencia capitalista comienza a producir y a comercializar productos de este género latino, se llega a consumir en las tierras de origen. Esto se ve reflejado en una de las canciones elegidas para el análisis: Taki Taki de DJ Snake, Selena Gómez, Ozuna y Cardi B. Selena Gómez, una de las artistas pop más comerciales que proviene de Estados Unidos decidió vender un producto de este tipo. No solo estuvo en las listas de reproducción de las más escuchadas en México sino también en las de Estados Unidos y el resto de América Latina.

La influencia que ejerce una cultura sobre otra no es la única forma de educar a una sociedad. Según McQuail, los medios de comunicación también introducen en ella un cambio individual de valores. Esto quiere decir que a cada individuo como receptor se le inculca una ideología, una forma de ver la vida que logra transformar creencias y así, el estilo de vida de ejerciendo poder sobre las mismas decisiones que se toman en el día a día. Tomando en cuenta que nuestro autor trabajó en este tema a mediados y casi finales del siglo XIX, él afirma que estos valores van dirigidos hacia la modernidad y sobre todo en países subdesarrollados.

La aplicación de este cambio individual de valores dentro de las industrias culturales es muy específica, el arte y el entretenimiento se encargan de crear producir contenidos que se relacionen con la cultura, así como imponer nuevos valores que serán adoptados por cada individuo logrando formar hoy por hoy una sociedad capitalista, consumista, progresista y con todos los demás valores de la modernidad actual. Con el objetivo primordial de que la economía siga en movimiento a través del consumo.

Resultados

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Discusión

Al descubrir estas evidencias nos damos cuenta de que las tres canciones comparten un tema en común que es la fiesta. La industria del ocio y entretenimiento, según Rodríguez Ferrándiz, a diferencia de la industria cultural, se enfoca meramente en las actividades recreativas de un consumidor, y no necesariamente en la cultura popular. Considerando a la fiesta como una actividad recreativa, las canciones que estamos analizando entonces son un producto que promueve este ritual que implica salir de la vida cotidiana, dejar el trabajo por un momento y solo divertirse. Este mensaje a la audiencia está muy claro en la letra de las canciones, en las que habla sobre bailar como si fura la última vez, ir a la playa, mover la cintura y literal menciona una de ellas “vámonos de fiesta”.

Pero no solo está incitando al consumidor a salir de fiesta, sino que también le indica cómo es que tiene que hacerlo y de qué forma logrará disfrutarla. En las imágenes de los videos, específicamente el de la canción Calma – Pedro Capo ft. Farruko y la de MIA – Bad Bunny ft. Drake, en ambos está presente el consumo de bebidas alcohólicas y personas fumando, así como las mujeres que específicamente se presentan con poca ropa a diferencia de los hombres. Según la teoría de McQuail, se está aplicando, a través de este medio, un cambio individual de valores al indicar a través de imágenes la forma de consumo y de cómo comportarse en determinado ambiente de un individuo.

En el video de la canción de Taki taki – Dj Snake ft. Selena Gómez, Ozuna, Cardi B y la de Calma –Pedro Capo ft. Farruko, hay tomas en las que muestran una marca en específico (Land Rover, que es una marca de camionetas y Medalla, que es la marca de una cerveza), esto refleja la publicidad de marcas en productos mediáticos reafirmando la teoría de Sánchez-Olmos (2018) en donde dice que las marcas buscan conectarse con el consumidor para que éste se sienta con una identidad al consumirlas, para lo cual utiliza a la música ya que es algo que influye y conecta muy bien con los consumidores desde el siglo XX.

Otro cambio individual de valores presente es en el tema de la percepción del cuerpo humano y el género. La forma en que se presenta la marca de la cerveza en la canción Calmaa lado del cuerpo de una mujer en bikini. Este cuerpo no muestra a una mujer con sobre peso o una atleta con un cuerpo musculoso, tiene características específicas con las que se refleja un estereotipo del cuerpo “bello” de la mujer.

A pesar de que las canciones que se utilizaron para la investigación son bastante recientes, es decir, del 2018, estos rasgos del contenido del video musical y de las letras dentro de este ritmo latino han estado presentes desde que comenzó y se integró a los medios de comunicación. A principios de la década de 1990 un panameño cuyo nombre artístico era “El general” lanzó un éxito llamado Te ves buena, en ella repite varias veces las palabras “mamacita” y “te ves bien buena”. En el video aparece una mujer en bikini tomando una coca-cola y también menciona la marca en la letra de la canción “parece una botella de Coca-Cola”. Si suponemos que con “mamacita” se refiere cualquier mujer, no una en específico sino a la mujer como género y después se le agrega “te ves bien buena” entonces es un contenido mediático que igualmente, siguiendo la teoría de McQuail, introduce en la audiencia valores concretos que involucran la figura de la mujer. Rosas Roldán diría que ante esta situación se ha perdido el respeto hacia la mujer.

El tema de la cosificación de la mujer es característico del reggaetón desde que llegó a América Latina. “Los divos de reggaetón inicialmente  empleaban esta categoría  para manifestar temas comunitarios. Sin embargo, al transcurrir los años este  propósito fue olvidándose ya que muchos interpretes  priorizan temas alusivos al sexo y violencia contra la mujer” (Rosas Roldán, 2017, p.141)

Retomando la teoría del cambio individual de valores, hay que identificar las razones por las cuales ha habido la necesidad de realizarlo. Herbert Marcuse, en El hombre unidimensionalutiliza el término desublimación para referirse a la tendencia del hombre unidimensional de quitarle su valor a aquello que es sublime como el arte y la sexualidad. El cuerpo de la mujer, visto como una figura cien por ciento sexual está siendo víctima de la desublimación. Pero esta misma tiene una razón de ser, la de ejercer control sobre la sociedad y orillarla a consumir. Adorno y Horkheimer dirían que ese es el objetivo primordial de la industria cultural. Por ello, estas imágenes de la mujer con poca ropa, la fiesta, y todos los demás  mensajes de que no importa nada en la vida, vienen acompañados de productos y marcas específicas.

Según Sánchez-Olmos, no solo las marcas requieren de la industria musical para ser más consumidas; la industria musical también necesita de las marcas para subsistir. Hablamos de es un sistema de negocios bidireccional. Ahora, entrando en la parte del consumidor, Juan Carlos Valencia plantea que los gustos de los consumidores están fuertemente influenciados por su sociedad (clase social, costumbres, etc.). Si aplicamos el imperialismo cultural de McQuail, México, como país en desarrollo o de tercer mundo, requiere urgentemente de una modernización a la cual supuestamente y según la potencia capitalista que tiene como vecino, llegará a través del consumismo. Por lo tanto, si la sociedad mexicana tiene una necesidad de mejorar su economía a través del consumismo, buscará consumir también los medios que la alimenten. Esto sería un ejemplo del concepto de interdependencia. Y la autonomía entra en esta misma línea cuando los jóvenes de entre 10-30 años, que son quienes consumen más reggaetón, son influenciados por esta necesidad de consumo.

Conclusión

Si el contenido fue creado para la juventud, entonces la industria requiere que este estrato de la sociedad entienda su mensaje y se ponga en marcha con el consumo para que se convierta algo indispensable el resto de su vida. Este sujeto consumidor de reggaetón buscara salir de fiesta para evadir su realidad, beber alcohol, fumar y tener relaciones sexuales porque a partir del mensaje comprendió que el cuerpo sirve para eso.

Hay cuatro temas principales en el contenido del reggaetón popular contemporáneo que son: la cosificación de la mujer, la desublimación de la sexualidad, el consumismo, y la difusión de la industria del ocio y el entretenimiento. En cuanto al mensaje sonoro, el reggaetón es un ritmo muy repetitivo y con un beat bastante marcado, estas frecuencias de vibraciones entran en el cuerpo de una forma determinada con la que se llega también al objetivo de que la audiencia reciba el mensaje deseado.

La audiencia actual en México, al ser un país de tercer mundo, busca seguir ídolos que cumplan con sus metas personales que tienen que ver con el consumismo y la realización profesional a tal grado de que no importe nada más en la vida que divertirse y consumir, abriendo camino al éxito de la industria del entretenimiento. Los artistas que vemos en este género hoy en día no son los cantantes de barrios bajos que eran antes, ahora se ven los artistas de moda como Selena Gómez, DJ Snake, Enrique Iglesias, Justin Bieber, entre otros.

Finalmente esto solo es una muestra de cómo funciona la industria musical. De cómo es que al aparecer la industria, el progreso de un artista depende de cuánto venda y no de su crecimiento intelectual a través del arte. Estos artistas pueden o no tener una carrera musical académica y con que logren saber cómo funciona la industria, lograrán expandir un mensaje al público cuanto ellos deseen. Ellos seguirán mencionando marcas en sus productos para generar más dinero, y también mostrando imágenes de mujeres semidesnudas, siempre y cuando esto sea lo que el público les pida. Un público que sigue el estilo de vida que ha visto en los medios de comunicación.

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