Este es un trabajo de Amaya Cobos realizado para la materia Cartografías de la Comunicación III de la Carrera de Comunicación de la Universidad Iberoamericana Ciudad de México (Verano 2025, Dr. Eduardo Portas)

Abstracto

Para este trabajo me adentré, a través de una entrevista, en la vida de Rodrigo Herrasti, un artista plástico con sede en México. El trabajo expone si es posible vivir de las artes plásticas, cómo se construye la creatividad y un proceso creativo para la producción de piezas artísticas, además de cuál es la narración creativa que presentan sus piezas artísticas. Es un trabajo sobre la experiencia personal de Rodrigo como artista y de alguien que se dedica a producir arte.

Introducción

A través de una entrevista, en este presente trabajo me adentré en la vida del artista Rodrigo Herrasti. La investigación busca comprender cómo son las artes plásticas en México y comprender si es posible poder vivir de ellas actualmente. La plática con el artista se centró en los diversos aspectos que atraviesa durante su proceso artístico, profundizando en las complejidades profesionales, así como en las personales como la construcción de la creatividad y el desarrollo del proceso creativo. El trabajo se adentra en las dimensiones humanas de esta profesión que constituyen por completo a una persona.

Activamente se busca visibilizar las múltiples capas que se requieren para la creación de una obra artística. Gracias a las palabras de Rodrigo Herrasti, es que podemos entender de primera mano lo que significa lo que significa vivir de las artes, desde explorar diferentes temas, experimentar con técnicas artísticas, así como exponer cómo el arte es solo un medio más para comunicarnos entre nosotros.

Preguntas de investigación

1.¿Qué son las artes visuales?
2.¿Cómo son las artes visuales en México?
3.¿Pueden los artistas vivir de su obra en México?

Objetivos de investigación

1.Identificar que son las artes visuales y como son en México.
2.Examinar la posibilidad de que los artistas puedan vivir de su obra en México.

Justificación de investigación

Las artes visuales en México están inmersas en la construcción de la cultura. Convivimos con ellas diariamente de forma directa e indirecta, lo que quiere decir que constantemente tienen un efecto en nuestro día a día. Esta investigación se realiza con la intención de tener conocimiento y dominio sobre cómo son manejadas las artes visuales en el país para así estar preparada el momento de entrevistar a un artista y saber cómo explorar las dinámicas creativas, los desafíos y las reflexiones que definen su práctica pictórica en el contexto del arte contemporáneo en México. A través de esta investigación en preparación de la entrevista, se busca no solo documentar cómo es un proceso creativo, sino también entender las posturas frente a problemáticas actuales como la comercialización del arte, la constante producción de obras originales y la preservación de las experiencias únicas a través del arte.

Metodología

Una investigación documental que recopila información de fuentes digitales, artículos periodísticos y libros de la biblioteca Francisco Xavier Clavigero.

Hipótesis

La producción de las artes plásticas son más que una profesión o una actividad de ocio, es algo que está presente en todo momento en la vida de un individuo, convirtiéndose en artista.

Productos a entregar

Una entrevista documental sobre un artista visual mexicano.

Resultados esperados

Aprobar la materia de Cartografías de la Comunicación 3.

Resultados deseados

Un resultado deseado es que la entrevista sea transmitida a través de ibero tv para así tener un mayor alcance.

Estado del Arte

El siguiente estado del arte se dividirá en dos subtemas para poder indagar con cierto grado de profundidad los conocimientos básicos sobre este amplio tema. Los subtemas son los siguientes:
1.Identificar que son las artes visuales y como son en México.
2.Examinar la posibilidad de que los artistas puedan vivir de su obra en México.

Identificar que son las artes visuales y como son en México.

Según una entrada de la Universidad de Puebla, las artes visuales son “una manifestación artística, expresiva, de percepción visual” que utiliza diversas técnicas artísticas con el objetivo de expresar un sentimiento y/o la percepción propia del mundo. Tiene sus orígenes en Nueva York con la migración de los artistas europeos durante la Segunda Guerra Mundial.

Esta revolucionaria libertad de expresión conlleva a la llegada de las vanguardias y es en los años 80 que la palabra “artes visuales” comienza a tener una presencia en el vocabulario de la época (UVP, s.f.). Dentro de las artes visuales, existen distintas clasificaciones, como artes plásticas y arte digital; igualmente, hay diversas técnicas como pintura, dibujo, grabado y escultura.
En la investigación realizada por Mónica Mendirichaga Pérez Maldonado, “Un recorrido histórico por las artes visuales en México”, la autora realiza un análisis histórico del artes pictórico en México al vez que se explora los “antecedentes para ubicar a un artista en el tiempo y en el espacio específicos” y cómo se llega a profesionalizar una carrera dentro de las artes visuales. Aunque su análisis abarca México en general, la autora hace una comparación entre el resto del país y el estado de Nuevo León, el cual mostró diferencias significativas debido a sus costumbres.

Las artes visuales en México se comienzan estudiar desde el siglo XX. Sergio Murillo (Dr.Atl) comienza la escuela al Aire Libre, donde surgen grandes artistas de la época que hoy en día continúan teniendo un impacto en arte mexicano, como José Clemente Orozco. Con la llegada de la Revolución, surgen los movimientos vanguardistas de arte que combinan técnicas abstractas con una crítica social. El arte mexicano está en una constante evolución que busca romper con las reglas ya preestablecidas por la cultura popular mundial y tener una individualidad que la diferencie del resto del mundo (Mendirichaga M., 2014, pág.57). Dentro de la investigación Mendirichaga cita múltiples críticos de arte que justamente refiere esta ruptura una constante en la historia universal del arte. En méxico, a la par de que la ciudad se industrializa, “un selecto grupo de artistas plásticos desea separarse de la llamada Escuela Mexicana, en virtud de que los moldes tradicionales ya no responden a las necesidades estéticas de un México en plena evolución industrial” (Mendirichaga, 2014, pág.60). Después de haber una oleada de nuevos artistas, se solidifican ciertas técnicas, escuelas y movimientos, como lo son: “el estridentismo, el puntillismo, el surrealismo, el pop-art, el neoimpresionismo, el neoexpresionismo, la bad painting, el exotismo, el neomexicanismo, el minimalismo, el posmodernismo y mezclas de estilos similares a lo abstracto” (Mendirichaga, 2014, pág.60).

En el texto “Algunos apuntes sobre “lo contemporáneo” en la crítica de arte en México”, el autor Daniel Montero comenta acerca de la crisis en la crítica del arte mexicano ocasionada no por un fracaso por parte de los artistas, sino por un cambio en estándar artístico que buscan los críticos de arte. Se menciona que se percibe una clara pérdida de la palabra “estilo” al sustituirse con lo “contemporáneo” (Montero,2018).

Montero comenta como hay una falta de entendimiento sobre la historia de la crítica de arte lo que genera un estancamiento de cómo ha evolucionado el arte a través de los años. De manera general, el autor lo que concluye es que se ha desviado mucho el significado original de lo que es contemporáneo, lo que interrumpe mucho con lo que los críticos están buscando “porque la noción de lo contemporáneo, más que a una reflexión por una forma específica o incluso más allá de un tiempo presente, tiene que ver con la imposibilidad de definir a ciencia cierta una práctica estable” (Montero, 2018).

El término “contemporáneo” encasilla muchas técnicas diferentes, que al contraponerse genera mucha confusión por su obvia diferencia visual. Podría ser que lo que se está haciendo es clasificar lo inclasificable, en un intento de meterlo en una caja en la que anteriormente no tendría lugar. La duda es sí lo contemporáneo puede considerarse o no una categoría estable, y si en realidad lo que se está presentando es una evolución de condiciones culturales actuales, así cambiando lo que significaba la palabra con anterioridad históricamente hablando.

Examinar la posibilidad de que los artistas puedan vivir de su obra en México.

En el artículo de la revista Código Rojo, “El arte frente a los apoyos gubernamentales”, como el título lo dice, se comentó acerca de los diversos apoyos gubernamentales que actualmente existen para apoyar las artes en México.

Existen apoyos financieros como lo son las becas, en específico la FONCA que busca “conjuntar los esfuerzos y recursos del Estado, la sociedad civil y la comunidad artística en torno a la generación de estímulos, para la creación artística y cultural de calidad” y se “declaró que cerca del 2% de la población (dos millones) son artistas”, esto demostrando la importancia del apoyo económico hacia este sector del país para así mejorar nuestra economía como política la vez que fomentamos la cultura en el país. (Gobierno de México, 2016)(Código Rojo, 2019).

Para que haya un apoyo por parte del gobierno, principalmente tiene que haber un reconocimiento de esta disciplina. Es importante otorgarles visibilidad, identidad y legitimidad social. Esto es justamente lo que logran las becas. Ellos apoyan a impulsar proyectos con el apoyo de profesionales otorgando visibilidad para perfiles creativos varios. Están constantemente apoyando a la construcción de comunidades artísticas que generen y produzcan arte por un tiempo, enfocándose en que se gestionen por los propios artistas, y artistas.
Espacios como lo son los museos, también tienen una misión en el apoyo de artistas al abrir sus espacios a artistas emergente regalándoles exposiciones a las audiencias interesadas en las artes o incluso organizando eventos con remuneraciones, permitiendo un mayor crecimiento profesional a los artistas, al igual que a los curadores que organizan los eventos.

Estos tipos de apoyo continuamente buscan que no se acaparen todos los lugares a personas capitalinas y se les dé oportunidad a personas que contextos y trasfondos diferentes, dándoles más valor a la voz personal y crítica que buscar complacer a un jurado con los mismos temas de siempre.

En un artículo del peridodico El Siglo de Torreón, “¿Se puede vivir del arte en México?”, se explora la posibilidad de poder vivir del arte hoy en día en México. Establece la importancia del arte en nuestra sociedad, ya que “conecta con las emociones y experiencias humanas”, además de ser esencial en el “análisis de la realidad y el desarrollo personal” (Mena, 2024).
Las artes visuales no son una carrera muy codiciada. Hay muchos estigmas alrededor de esta, enfrentándose a prejuicios de ser una carrera poco seria y sin oportunidades reales de tener una economía estable.

La realidad es que si hay verdad al haber una baja demanda educativa y de docencia, así limitando las oportunidades de aprender y de tener un trabajo enseñando arte. En consecuencia, las estructuras asignadas a esta sección de nuestra cultura, no son óptimas y se les da poco presupuesto para crecer.

Según el IMCO, los egresados de Bellas Artes ganan en promedio $17,266 mensuales, comparados con los $10,920 de la población general. Además, el 42.3% de ellos trabaja por cuenta propia, lo que resalta la necesidad de emprender y crear redes de colaboración.

Una carrera de este tipo es complicada de mantener, pero también es esencial para la construcción de la cultura y la preservación de una sociedad creativa, reflexiva y empática. El arte sí puede ser una profesión viable en México, pero se trata de una carrera que no es fácil. El éxito depende más de la gestión profesional, las oportunidades de mercado y la resiliencia personal que del talento artístico únicamente.

Marco Teórico

Datos biográfico del autor

Daniel Montero, nacido en Bogotá en 1980, es un destacado investigador y académico especializado en historia del arte. Actualmente es un investigador en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, institución donde obtuvo su doctorado en Historia del Arte. El ha dedicado su vida a la docencia en diversas universidades como lo son la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad Nacional de Colombia.

Montero cuenta con una extensa experiencia curatorial al haber participado en diversos proyectos de gestión cultural desempeñándose como Curador Académico del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC). El cuenta con varias publicaciones especializadas en revistas y catálogos de arte, con énfasis en el análisis del arte contemporáneo mexicano, colomobiano y nortemaericmeno.

Actualmente se especializa en los estudios sobre la crítica de arte en México durante el siglo XX, dando un profundo análisis al extenso proceso de valoración y recepción del arte en la región.

Principales conceptos teóricos

Resultados

Principales Líneas discursivas de la entrevista realizada a Rodrigo Herrasti, Talleres de Arte Contemporáneo (TACO), 20 de junio del 2025.

Interpretación de resultados

Analizando las declaraciones dichas a lo largo de la entrevista, se pudo comprender una concepción del arte completamente introspectiva, con una profunda conexión con las emociones y con el poder de transformarlo en una creación tangible. El concepto de la creatividad es transformado al convertirse en un proceso de autoconocimiento y la habilidad y necesidad que tenemos por compartirla con el mundo. No se trata solamente de producir una pieza atractiva, sino más bien que sea un puente de los pensamientos internos de una persona y generar un diálogo para así poder tener un entendimiento mutuo de cómo el otro percibe las cosas. El proceso creativo puede ser visto como algo se lleva a cabo en soledad y en el que las ideas son cultivadas individualmente, sin embargo, es necesariamente nutrida por la convivencia de las personas que nos rodean.

El medio de elección de Rodrigo Herrasti es el dibujo. Este medio artístico genera una sensación de no estar terminado debido al sentido que se le da al dibujo de ser un paso más dentro del proceso de producción artística. A pesar de eso, para Herrasti, esta sensación es lo que lo atrae tanto al dibujo. Lejos de ser percibido como un defecto o una falta, lo incompleto le da valor a su narrativa artística. Busca generar una sensación de tensión y deseo en el espectador. Esta perspectiva convierte al proceso mismo en una forma de obra e invita a quien lo está presenciando a sentir lo que su creador llegó a sentir mientras producía esta obra artística.

Así la narrativa se mantiene en constante movimiento siempre abierta a nuevas interpretaciones.
Asimismo, el artista tiene muy presente la herramienta del psicoanálisis como un medio de transformación interna que inevitablemente tiene repercusiones en sus visiones artísticas. Rodrigo Herrasti busca cuestionar sus propios pensamientos y desbloquear aquellos aspectos que posiblemente puedan estar afectando sus capacidades creativas. Su proceso dentro del psicoanálisis pone en crisis ideas inamovibles para poder liberarse de ellas y finalmente estar preparado para crear. Esto implica tomar iniciativa y ser valiente a confrontar aquello que en algún momento nos pudo haber imposibilitado.

En este sentido, el arte se vuelve una extensión del proceso terapéutico, un espacio de resolución, de confrontación y de reinvención constante.

Finalmente, el concepto de incertidumbre parece estar muy presente dentro de los conceptos mencionados anteriormente y de cierta manera los conecta entre sí. De primera podría parecer un obstáculo al que tenemos que evitar, pero es más bien una condición necesaria para la creación artística. La incertidumbre es el indicativo de que nos estamos encontrando con cosas desconocidas, y manteniendo el pensamiento del psicoanálisis, en vez de estancarnos lo que debemos hacer es enfrentarlo. Esta visión transforma esa sensación de lo incierto en un incentivo a atrevernos a crear.

En conclusión, los conceptos y testimonios analizados revelan cómo el arte es un proceso profundamente humano que depende de las emociones y los vínculos que formamos con otras personas. A través de analizar como Rodrigo interpreta lo que es la creatividad, al proceso creativo, el dibujo, el psicoanálisis y la incertidumbre, podemos ver cómo en conjunto todos esto conceptos le impulsan a conocerse a el mismo, transformar sus pensamientos y compartir aquello que le interesa y apasiona con el resto del mundo. Aquí se demuestra cómo el arte es una forma de vivir la vida y una manera de relacionarse con los demás, desde la autoexploración de las emociones, la vulnerabilidad y la constante búsqueda de los significados.

Conclusión

La entrevista con Rodrigo Herrasti nos permite comprender que el arte puede significar mucho más en la vida de una persona al poder ser una forma de autoconocimiento y expresión con el resto de las personas. Se expone cómo la creatividad es un proceso lleno de dificultades que son necesarias para la creación de obras de arte. Este trabajo visibiliza como la experiencia artística está completamente entrelazada con la vida personal, así como lo menciona Rodrigo Herrasti. Nos invita a pensar el arte no solo como una profesión, sino como una manera de convivir con la incertidumbre y transformar el conflicto en el impulso para crear y expresar lo que alguien siente.

Referencias

Código Rojo, (2019), El arte frente a los apoyos gubernamentales, https://revistacodigo.com/arte-apoyos-gubernamentales/

Gobierno de México, (2016), Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA),
https://www.gob.mx/cultura/acciones-y-programas/fondo-nacional-para-la-cultura-y-l as-artes-fonca

Mena N., (2024), ¿Se puede vivir del arte en México?, El siglo de Torreón, https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/2024/se-puede-vivir-del-arte-en-mexico. html
Mendirichaga M., (2014), Un recorrido histórico por las artes visuales en México, http://eprints.uanl.mx/5858/1/un_recorrido_historico.pdf

Montero D., (2018), Algunos apuntes sobre “lo contemporáneo” en la crítica de arte en México, Scielo, http://scielo.senescyt.gob.ec/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S2477-91992018000 100054
Universidad del Valle de Puebla, (s.f.), Artes Visuales
https://uvp.mx/uvpblog/artes-visuales/

ANEXO

Transcripción con Rodrigo Herrasti

Soy Amaya Cobos, tengo 19 años y estudio la carrera de comunicación en la Universidad Iberoamericana. El día de hoy te realizaré una entrevista para la materia de cartografías de la comunicación. El objetivo de este trabajo es llegar a conocerte incluyendo tu profesión, tus pasiones y tu vida.

¿Cuál es tu nombre?

Hola Amaya, soy Rodrigo Flores Erraste.

¿Cuándo naciste y qué edad tienes?

Tengo 43 años, nací en septiembre de 1981.

¿Dónde creciste?

Crecí aquí en la Ciudad de México.

¿Y actualmente aquí vives?

Vivo aquí en la Ciudad de México. Vivo y trabajo en la Ciudad de México.

¿Puedes repetirlas preguntas? ¿Cuál es tu estado civil?

Mi estado civil es soltero.

¿Estudiaste alguna carrera universitaria?

Estudié dos carreras universitarias. Estudié artes visuales, la licenciatura en artes visuales, en la facultad, en la ahora facultad de artes y diseño, antes escuela nacional de artes plásticas, que es una institución de la UNAM, es una de las escuelas, bueno ahora facultad, de la Universidad Nacional y estudié Literatura Hispánica en la Universidad Autónoma Metropolitana de Iztapalapa, en la UAM-Iztapalapa.

¿Actualmente a qué te dedicas?

Actualmente hago mi profesión, como me dedico a hacer mi trabajo creativo, me dedico a producir arte visual, obras de arte visual, también ejerzo docencia, enseño y escribo, escribo especialmente vinculado con temas vinculados con artes visuales.

Muy bien. ¿Y cuántos años llevas dedicándote a todas estas labores creativas que has hecho?

Llevo, este es un poco difícil de calcular porque yo tenía muy claro que me quería dedicar a las artes visuales desde bastante joven, desde los 15 años más o menos. Y desde entonces empecé como a dibujar y a buscar talleres y después ya ingresé a la, como a los 18 años que es cuando se entra a la escuela, ingresé a la Facultad de Artes, a la Escuela de Artes Plásticas. Entonces bueno, más o menos desde la adolescencia, sí, temprana adultez, entre los 15, 18, 17, empecé a dedicarme ya sabiendo que esto es a lo que me quería dedicar. Y también por eso entonces empecé a vincularme con problemas y contextos. Y me empezaron a gustar mucho textos de literatura y de poesía y de ensayo. Y… Entonces realmente empecé a escribir hasta un poco después, ya que estaba estudiando literatura… letras hispánicas, literatura española, hispanismo. Es ahí cuando empecé a escribir. que habrá sido hace unos 20 años más o menos. Entonces, más o menos llevo dedicándome a esto como unos 20, 25 años aproximadamente.

¿Tú te imaginabas dedicarte mucho a la docencia?

No tal cual. Pensaba tal vez dar algunas conferencias, clases, pláticas, posiblemente cursos eventualmente. Ahora se ha vuelto cotidiano, aquí en el lugar donde desarrollé mucho de mi trabajo creativo, que utilizo yo como taller, pero también ayudó mucho a coordinar, es el lugar donde estamos, qué son los Talleres de Arte Contemporáneo. Aquí es donde sistemáticamente he estado dedicando a dar clases, a la docencia, tengo una clase de fijo. Hay otros talleres que vamos surgiendo, que vamos diseñando y que vamos promocionando y bueno, estoy constantemente vinculado con la enseñanza.

¿Cómo dirías que es un día típico en tu vida? ¿Cómo dirías que es tu rutina diaria?

Bueno, estar trabajando, estar vinculado aquí con Talleres de Arte Contemporáneo. Me ha ayudado como mucho a sistematizar mi día. Entonces realmente me preparo desde temprano para venir aquí. A veces vengo, trato de llegar aquí desde temprano, todos los días. Incluso por ejemplo hoy viernes que no hay clases. De todas formas yo vengo, trato, vengo desde temprano. Para ver qué se llega a necesitar para recibir a alumnos, para recibir, tenemos juntas, a veces para dar clase, para ver qué está necesitando el espacio, estar dándole causa a los distintos proyectos de educación o de vinculación con espacios o de exposiciones que tenemos. Y algunos de los días que no doy clase, y que más o menos voy atendiendo los pendientes del espacio. Aprovecho para estar haciendo mi trabajo que tiene que ver mucho con dibujo. Entonces, en ocasiones con video, entonces, me trato de de ocupar algunos días por la mañana sobre todo para estar haciendo eso, piezas o estar planeando piezas, estar haciendo dibujos o tal vez bocetando piezas que van a ser más grandes o terminando algunas piezas que ya fui continuando. Como más o menos tarde y en la tarde aprovecho para a veces ir al cine, a veces leer, preparar las sesiones o sacar otros pendientes ya en casa, otros pendientes que tienen que ver también con el espacio o estar leyendo y estudiando.

¿Qué hábitos crees que te ayuden como a cultivar tu creatividad o como para inspirarte?

Trato de estar… trato siempre de estar viendo cosas, trato de estar viendo cosas si hay algunas rituales o ciertos hábitos generalmente trato de llevar algún libro que esté vinculado y también alguna libreta donde pueda dibujar algo. También suelo tomar muchas fotografías, cosas que me pueden interesar en la calle o en los espacios públicos. ¿Qué otra cosa hago? No, no. Trato de… Sí, sí, trato como de revisar cosas que siento yo que me gustaría, mi trabajo me gustaría que se pareciera a ellas, ¿no? O que quisiera dialogar con ellas, ¿no? Llevo diario, llevo un diario, llevo bitácoras donde… tengo… Que eso podría calificar como de algún ritual. A veces tengo bitácoras que a veces me sirven para ciertos proyectos, entonces si estoy trabajando un proyecto de escritura o de cierto tipo de dibujo, tengo esa una pequeña libreta que me funciona para eso y si estoy trabajando con otra cosa tengo otra libreta que me funciona para otra cosa. Llevo un diario personal y llevo un diario para cosas que tienen que ver más con reflexiones del trabajo, del trabajo artístico y este y bueno, tal vez lo comento mucho con los alumnos porque vemos muchos procesos creativos. Yo pensé muy aleatorios, no son como tan programáticos, bueno, yo como la mayoría de las personas nos duchamos diario y le comento mucho a los jóvenes que si tengo alguna idea algo que quisiera desarrollar o alguna reflexión y esa idea no se me ocurrió en la ducha posiblemente no sea una buena idea entonces le suelo prestar mucho más atención a las cosas que se me ocurren cuando cuando me baño entonces bueno creo que podría entrar de alguna manera en el ritual ok ok me gustó eso

¿Tú sientes que tu vida creativa y como que tu vida personal son una misma o sientes que como de una división, no sé cómo?

Claro, no, yo lo comprendo. Como un poco más que la vida creativa, como la vida profesional y trato de que no lo sea. La verdad es que yo trato de que mi vida profesional y mi vida creativa y mi vida personal estén como muy imbricadas. Por supuesto, hay cosas en las cuales no puedo mezclar lo personal, especialmente cuando tiene que ver con la docencia. O con organización, tengo que hacer, porque es parte de lo que demanda este espacio en el que estoy, que hacer como muchas labores de gestión cultural. Entonces, ahí, bueno, tengo que dejar, tratar de dejar lo más que pueda la labor, el pensamiento personal, ¿no? O que no interfiera. Portarme lo más profesional posible. Creo que a menos de que alguien me diga lo contrario, creo que lo logro, por lo menos hasta cierta medida. En cuanto a mi labor creativa, que es lo que trato de dedicarle, no siempre se puede, lo que trato de dedicarle más tiempo, es una pregunta curiosa porque si estoy… en los dibujos que yo hago, en los grabados que yo hago, en los videos, porque me gusta hacer video y animación con video, explorar por lo menos, trato de poner mucho de lo que reflexiono y de lo que me pasa y de lo que pasa a través de mí. Lo que es extraño y lo que es singular es que no trato de siempre tengo o trato de mantener esta conciencia, por lo menos lo intento, de que estoy haciendo una obra que no solamente la voy a entender yo, sino que estoy haciendo una obra que va a comunicar posiblemente lo que yo sienta. Por supuesto, no puede comunicarlo todo, pero posiblemente el rango de sensaciones de relaciones, de ilaciones que yo tengo, sé que estoy haciendo algo que de alguna manera se lo tiene que comunicar a los demás, a alguien que no necesariamente me va a conocer o tiene por qué conocerme, para fortuna de las demás personas. Entonces, trato de hacer ese ejercicio constantemente y es parte también de lo que trato de lo que busco dialogar en las clases, hacer ese ejercicio de pensar por dónde estoy sucediendo, qué cosas personales están involucradas en lo que imagino en el proceso creativo y después llevarlas, eso tomarlo como tema, tomarlo como un rastreo, donde por supuesto se vinculan cosas personalísimas y también emocionales muy singulares. Pero después de plantearme generalmente la pregunta, ¿esto cómo lo pongo en una pieza? En el medio que sea, incluso también cuando escribo, ¿esto cómo lo pongo en una pieza que la pueda ver una persona sin necesidad de conocer?

Continúa continúa. ¿Puedes retomar la idea?Bueno, la idea es cómo puedo… Uno vive a través de un mosaico, una variedad de emociones y eso creo yo que se pone en el trabajo. Pero creo yo que parte del trabajo y parte del trabajo profesional de artes visuales, o por lo menos lo que me ha funcionado a mí es cómo estas emociones y estas vivencias, como muy personales en ocasiones, pueden estar en una pieza, en encer, en un, si lo queremos llamar, que puede comunicar esas cosas a un público, a alguien que lo va ver, cómo va a interactuar con esa persona y que no necesariamente me tiene que conocer ni tiene que saber mi historia para que pueda provocarle algo. Eso es parte, a mí me gusta pensar así en esos términos y creo yo que eso es parte del reto y de también del proceso creativo. A veces creo que la creatividad no solamente es sí aprender a vincularnos con lo que somos, sentimos y con nuestras historias personales, pero no se queda ahí. Creo que la creatividad es cómo transformar eso en algo que pueda comunicar y que pueda vincular. con otras personas, porque también así hacemos que las otras personas dialoguen con nosotros y también nos nutre nuestra imaginación, nos nutre nuestras experiencias. Claro, claro, claro, claro, Estuvo muy bueno, me gustó eso. Gracias. Ok, también como un poco cambiando, igual.

¿Tú crees que las personas con las que convives diariamente influyen mucho en tu proceso creativo en inspirarte y así?

Por supuesto que creo que las personas con quienes convivo a diario influyen y están en mi trabajo. Es por eso por lo cual trabajo en este espacio y estoy en este espacio porque estoy constantemente con creadores. Aquí damos clase de artistas visuales, no solamente personas que nos dedicamos a la docencia, sino personas que tenemos una obra y que desarrollamos procesos creativos muchas veces muy personales, muchas veces en vinculación con otras, con otros creadores. Y eso es algo que está como constantemente nutriendo. Yo creo que es una posición personal y también me la ha dado la experiencia. Creo que el proceso creativo es algo en efecto muy personal y que muchas veces se desarrolla en soledad e incluso hay una soledad que es bien necesaria. Pero incluso con esa soledad, en estos momentos de esa soledad como bien necesaria para que esté la creatividad uno se lleva a diálogos, pláticas, reflexiones, voces de otras personas. Por supuesto que platicamos de cosas mucho más triviales y hacemos chistes y nos divertimos y nos reímos mucho. Pero también muchos de mis amigos artistas es con quienes puede darse esa diversión de algo que no tiene que ver necesariamente con el arte, pero también con quienes podemos, la confianza para platicar sobre qué es lo que nos está pasando, qué es lo que estamos sintiendo cuando estamos haciendo una pieza.

Sí, sí, sí. Digo, tengo amigos que no se dedican necesariamente a, o por lo menos a este rubro de artes visuales y familia también, ¿no? Y creo yo que, general, yo me gusta mucho platicar e influye mucho en lo que hago y me llevo esas conversaciones al taller cuando estoy yo trabajando. Las pláticas, especialmente con personas creativas, que no necesariamente son del ámbito artístico. Y a mí creo que es algo que con el tiempo me ha ido preocupando cada vez más. Un problema de una creatividad cuya área no es exclusivamente la de eso que entendemos artes. Llámese literatura, llámese música, llámese artes visuales, cine, danza, en fin, ¿no? Yo creo que hay creatividad en muchos ámbitos. Y bueno. La herramienta que yo tengo para tratar de explorar la mía es la de las cosas que se ven y las cosas de dibujar y también algunas cosas de escritura. Pero a mí me interesa mucho atender creativamente cómo imaginan, es decir, que para mí es cómo relacionan las personas X o Y problema, X o Y ambiente, contexto para proponer algo, otras visiones de las distintas actividades que hacemos. Sí me interesa mucho escuchar y atender y llevarme esas reflexiones. Y después yo las busco, muchas veces busco cómo esas pláticas y esas formas de la creatividad con otras personas influyen y estructuran la personalidad, la creatividad personal. La creatividad personal y la manera que yo tengo en desarrollarla que es a través de las artes visuales porque es el modo que yo encontré.

¿Es difícil vivir de las artes visuales?

Es singular. Tiene sus bemoles. Hay de muchas gamas. Muchos nos dedicamos a la docencia. Nos interesa mucho compartir, pero también ha sido un modo de vida. En ocasiones intentamos, bueno, siempre estamos intentando mover la obra para que exista eso, una forma de vida que nos permita seguir produciendo, seguir creando y seguir haciendo y desarrollando los proyectos personales. Entonces, no es especialmente fácil, pero cuando hay como un interés y un tesón, de una u otra manera se encuentra la manera para estarse dedicando y estar viviendo y generando recursos de las artes visuales. En respuesta, como muy concreta, considero que es difícil. No es especialmente fácil, pero no es imposible.

¿Crees que nos puedas platicar un poco de lo que has hecho para formarte como artista, además de haber estudiado ahí en la UNAM? ¿Qué más has hecho para formarte?

Bueno, no lo tenía programado cuando, porque uno nunca programa muchas cosas cuando estudia y cuando es joven, pero una de las cosas que me ha funcionado ha sido dar clases. Realmente llevo poco tiempo en la docencia, pero me ha ayudado. Me ha ayudado, me llevo problemas, me llevo problemas vinculados con artes visuales, asuntos, cosas que trabajar sobre las cuales reflexionar. Por supuesto veo… visito constantemente exposiciones. Eso es algo… Yo sé que está dentro del ámbito, pero también es una actividad que disfruto mucho. De verdad, es algo que me siento muy bien cuando voy a… cuando estoy en galerías y cuando estoy en museos. Sé que hay muchos colegas, y es muy respetable, que van y visitan, a veces no se sienten especialmente cómodos en los museos o en las exposiciones, lo cual no quiere decir que no se sientan cómodos con el arte. Posiblemente les gusta tal pintura, les gusta, pero tal vez no les gusta mucho el ambiente del museo o de la galería. Lo comento porque me lo han platicado. No es mi caso, a mí sí me gusta mucho ir en general a los lugares donde hay arte. Me gusta mucho ir al cine también me gusta pensar en las películas y disfrutarlas, sí, como se disfruta en historia y disfrutarlas visualmente. Leer, leer me gusta mucho y no solamente por lo que me nutre para la parte de la escritura y la formación en letras, sino también me despierta ideas y conversar, conversar, conversar con los amigos, conversar contigo, conversar con, no, en el día día, ver entrevistas, ver entrevistas en vídeo con artistas o también con creadores de, con creadores cineastas, con creadores músicos, con creadores de eso que llamamos la farándula, no, también, o actores. También es muy entretenido y también me permite como analogar, escuchar como otras personas que crean se enfrentan a sus problemas, sus desarrollos, a sus procesos creativos.

Pues habías mencionado fuera de cámara que habías cómo…¿Viajaste como para… fuiste a un lugar a estudiar arte?

Hace un par de años, en el 2023, tuve la oportunidad de ir como fellow, como… no recuerdo el nombre, pero sí, como fellow invitado a la Universidad de Newcastle, en Reino Unido, está en el noreste de Reino Unido, cerca como en los bordes de Escocia, es una muy buena universidad. En general y muy buena universidad de artes dentro del ranking de Reino Unido. Una amiga y artista muy, muy, querida, que es quien lleva el departamento de gráfica, departamento de estampa en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Newcastle, me invitó a hacer una estancia de producción en los talleres de gráfica y eso implicaba también hacer un par de algunas pláticas y una convivencia constante con los alumnos que se estaban formando. Entonces fue como Visiting Fellow, como colega visitante invitado por un breve periodo y ya estando ahí, ya estando como en la cotidianidad, me surgió la oportunidad de hacer una pequeña exhibición. Entonces también hicimos ahí una muestra de lo que produje y de lo que hicimos en los talleres de gráfica de la universidad.

¿Consideras que has hecho sacrificios por dedicarte al arte y a las cosas creativas que tú haces?

Pues siempre, sí se hacen ciertos sacrificios para dedicar a la profesión. Me gusta hacer gestión, muchas veces hay que estar administrando y aprender algunas habilidades que no son propiamente las de artes visuales para poder sacar proyectos y poder seguir produciendo. Y entonces, a veces, ese trabajo y esas habilidades administrativas que no entran tanto en el enfoque de lo creativo que puede ser escribir un ensayo, puede ser estar pensando en una pieza gráfica o en un vídeo o en un montaje, a veces hay que hacerlas, hay que hacerlas y llevan tiempo y consumen energía. Entonces, a veces hay momentos en que, bueno, es así de esta semana o este día o tal vez por este período, como estoy tratando de enfocarme en sacar estas cuestiones administrativas que me van a permitir seguir produciendo y seguir creando, inventando y reflexionando, pues tal vez en esos días o en ese lapso no pude hacer algo vinculado con artes o no pude leer o no necesariamente lo que me estaba, donde estaba mi investigación o mi enfoque de literatura, creativo en el momento. Hubo que escribir cosas que tenían que hacer para administrar un proyecto. Constantemente hay que estar como haciendo esas cosas. Y es tiempo que le quitas a dibujar, a reflexionar sobre artes visuales. Sé que puede sonar como… Porque trámites y burocracias y los tenemos que hacer todos. Pero sí es tiempo que le vas quitando a algo que uno siente que podría ser más creativo. A veces uno trata de, y puede ser interesante, de aprender de esos pequeños sacrificios y de repente decir, no sé qué, pero a veces uno piensa así de algo, hubo algo de creatividad en ese trámite. Entonces a ver si de ahí puedo extraer algo que me pueda servir. Cuando a veces uno lo ve optimistamente. Tengo que responder porque creo que es mi cita de la una y media, pero yo creo que esta nos da chance para que terminemos.

¡Este! que platiques cómo de qué tratan tus obras artísticas.

Es curioso, hablar de qué tratan mis obras artísticas, bueno siempre es curioso porque siempre reflexiono mucho en torno a mis piezas, pero a veces es un poco difícil. De un tiempo para acá siempre me ha gustado dibujar y de un tiempo para acá, de algunos años para acá, decidí pensar en el dibujo como un eje, como el eje principal, no como algo que me servía para entender, solamente para entender algo, o como para bocetar una pieza que terminara en algo más, sino que el dibujo mismo fuera ya la pieza terminada. Entonces eso me ha acercado a toda una serie de temas que tienen que ver con las artes visuales y algunos otros que tienen que ver más con estados de ánimo que me interesa explorar. Algo que me gusta mucho del dibujo y generalmente los dibujos que veo y me gustan mucho de otros autores me gustan mucho porque el dibujo me da una impresión de algo que esté incompleto y eso que esté incompleto me agrada mucho. Sí me meten cierta tensión, quizá porque me provoca un cierto deseo, quizá un deseo de que se complete, pero a su vez sentir que no se está completando y que gracias a que eso que esté inacabado, valga la redundancia, no termina, puede seguir moviendo algo con ganas de que siga sucediendo. Y eso me gusta mucho. Entonces, ese podría ser alguno de los temas. Último, me gustan mucho algunos… Muy visualmente, y eso lo tomo también no solamente como un recurso, sino como un tema, me gustan o me interesan también mucho cosas que tienen que ver con repetición. Repetir un motivo, repetir un motivo, incluso a veces machacosamente, que resulte no tanto agradable, sino un poco chocante, un poco un mucho chocante, como algo que está vibrando, que está vibrando, gracias a que se está repitiendo y repitiendo y repitiendo. Y eso genera o puede generar a veces algunos estados alterados y esa alteración de estados, esa inquietud que a veces puede ser no necesariamente placentera. Pero imposible de obviar, esa suerte de inquietud es algo que también me gusta. Y me gusta generarla a partir de texturas, a partir de trazos. Me interesa trabajar como representar espacios o proyecciones que puedan hacer que quien lo está viendo, yo mismo o alguien más, intuya que está sucediendo un espacio. Es decir, una suerte de aire, en el dibujo, en el plano, una suerte de aire que se puede circular. No necesariamente un espacio específico como pensar un patio, un cuarto, un arco. Trabajo a veces con esos elementos de manera muy general, pero sí que se sienta que algo pasa alrededor y que se podría circular eso que se está viendo en el plano. Pero también me gusta mucho trabajar con, pues como con una, con una nivel de ambigüedad, con un, me gustan los umbrales, es decir, algo que te da el paso entre un, tal cual un espacio y otro. Entonces me gusta. A veces me gusta explorar en gráfica o en dibujo, en imagen valga, espacios que yo mismo, quien está fuera de la pieza, pudiera sentir que si estuviera adentro lo podría circular, podría tener una experiencia de su cuerpo, de sus situaciones en ese espacio, pero justamente como no está adentro sino como está en una superficie, no lo puede pasar. Entonces, me interesa pensar la superficie sobre la que se dibuja como en una ambivalencia, como algo que hacer una representación, no sé si tanto una representación, pero hacer, poner unas coordenadas que en nuestra mente proyectan o dan la sensación de poder circular, pero que esa misma superficie es el impedimento para circular eso. Entonces, ese juego de ambivalencia, esa ambivalencia que puede inquietar, es decir, sacar de la zona quieta, eso me interesa explorar. Y yo creo que esa es quitar, sacar de lo quieto y de lo estable es tal vez lo que también me hace querer a veces buscar texturas o repeticiones que puedan alterar o poner en cierto estado de tensión a mí mismo y también a quien ve mis piezas son ideas muy trabajadas ya las que estás diciendo, de la repetición y del umbral

¿Cómo llegaste a eso? ¿Cómo evolucionó desde que tenías 15 hasta ahorita?

Híjole. Rápidamente. No lo sé bien. En algún momento estudiando artes visuales me empezó a llamar la atención el espacio. No era una preocupación que me llamara de primera. O sea, no fue lo que me llevó a estudiar específicamente artes, no era lo que veía en los cuadros o en las esculturas o en las instalaciones. Posiblemente lo intuía, pero no lo tenía con demasiada conciencia. Y estudiando artes visuales me empecé a vincular con… A mí me marcó mucho una exposición que hubo cuando yo estudiaba aquí y después he tenido la oportunidad de viajar y verlo en vivo y volverlo a encontrar con esas piezas de un escultor de un escultor vasco muy famoso, muy conocido llamado Eduardo Chillida. En la exposición de Eduardo Chillida recuerdo que la fecha se me escapa un poco, pero debió de haber sido entre 2001 y 2002 más o menos. Y además recuerdo que cuando estaba esa exposición aquí en el Museo de Bellas Artes, porque es un escultor a nivel internacional muy importante, entonces cuando estaba esa pequeña exposición, o bueno esa exposición de esculturas, especialmente de esculturas de Eduardo Chillida, aquí en México, falleció, Chillida. Ya era una persona grande para entonces, digo, me acuerdo mucho de esa anécdota. Entonces visitar la exposición que vino aquí fue una colección de un parque que está en San Sebastián, que es una villa vieja que él compró y ahí en algún tiempo tuvo un estudio, vivía él al lado y después hizo una suerte de parque con sus esculturas. Se llama Chillida Leku y vinieron aquí, vino aquí esa colección de Chillida Leku. es lo que se podía traer porque Chillida tiene obras monumentales y esas por supuesto no se pueden traer. Yo creo que ese vínculo con el espacio y ese vínculo con el umbral y también leer las reflexiones de Eduardo Chillida, yo creo que fue algo que me motivó mucho. Me motivó mucho y me hizo darme cuenta o empezar a desarrollar, no sé si una sensibilidad, pero por lo menos un interés hacia la escultura y hacia la instalación. que es curioso es que no he hecho ahorita de unos años para acá, es cuando he tenido mucha la inquietud por hacer cosas que ya se desarrollan en el espacio. Pero digamos que mi forma de explorar el espacio con una noción… Es curioso porque yo sé, me gusta mucho la escultura y me gusta mucho lo que sucede en el espacio real, pero nunca sentía que yo pudiera tener las herramientas para poder hacerlo. Entonces, mi forma de acercarme a eso que sentía yo que me sucedía en el espacio era dibujando. Era dibujando, era tratar de ponerla en el plano bidimensional y de ahí que me surgiera como esta ambivalencia, de pensar como de… tratar de desarrollar algo que funcionara en dos dimensiones, en un dibujo, queriendo volverse a otra cosa. Queriendo volverse… Entonces también en algún momento eso me llevó a pensar, eh, alguna suerte de esculturas que se podían desarrollar, que se podían expresar en papel, que pudieran ser como el proyecto de una escultura, pero que fueran muy difíciles o fueran especialmente, requirieran un trabajo especial poderlas llevar al plano real, como una suerte como espacios ya no solamente imaginarios sino un tanto cuanto imposibles. Entonces eso me llevó como esa ambivalencia y de unos años para acá, sigo, sigo, mucho boceto, últimamente he explorado cosas que tienen que ver con vídeo. Entonces hago mucho boceto, como una suerte como de render hecho a mano. Hago como mucho boceto de cómo se podría ver una cierta proyección en un espacio, pero todavía no las llevo al espacio real. No te comparto algunas. pero tal vez, digo, son muchas cosas, pero muy especialmente con el espacio sí me acuerdo muy bien de la experiencia de la experiencia con Eduardo Chillida y después la experiencia que ya he tenido la oportunidad de, 20 años después me volví a topar, pero ya en Chillida Leku, en País Vasco, con esas piezas, volver a experimentar y volver a retomar y experimentar cosas nuevas, como lo había hecho 20 años antes, lo cual fue muy satisfactorio, y encontrarme y ya vivir y tener la experiencia de piezas monumentales ya en vivo.

Este… como que ya lo quiero ir acabando

Claro, por favor, por favor

Para concluir de tu obra, o sea, te gustaría que la gente supiera de ti que no se reflejan en tus obras?

Esa es una pregunta interesante porque se vincula con la otra pregunta que ¿qué puedo decirle a la gente que sobre mí que no está necesariamente en la obra? No, que está en la obra pero no está directamente puesta de manera directa. Y creo que esto se vincula mucho con una pregunta que me hiciste más al principio, es si hay una separación entre lo personal y lo profesional. Yo lo que puedo yo decir y algo que quizá quizá esto esto sí, esto esto lo manifiesto muchas veces, pero no es. No es con lo que voy como con mi enunciado de artista, bueno, como creador. No es con lo primero que digo, pero sí lo manifiesto y además lo platico mucho en las clases y con los amigos. Una experiencia que me ha sido a mí, que es la otra experiencia que me ha sido a mí muy importante, no solamente a nivel personal, sino a nivel creativo y que influye directamente y que no necesitas saber necesariamente cuando están mis piezas, ha sido la experiencia del psicoanálisis. Yo llevo mucho tiempo en terapia, lo disfruto mucho, han sido procesos difíciles porque para mí el psicoanálisis es algo que siento yo que mueve en las piezas, encontrar la creatividad y la virtud, si se puede llamar, en un término que generalmente lo asociamos con áreas más bien peyorativas o sumamente sombrías, y es la del conflicto. Mi trabajo, gran parte de mi trabajo de psicoanálisis, del trabajo terapéutico ha sido poner en conflicto y poner en conflicto que es como poner en crisis, es decir, bloques que parecían inamovibles, dogmas, enunciados, apotegmas que parecía que no se podían mover, moverlos. No es muchas veces agradable. Lo cual no quiere decir que no sea agradable, quiere decir que se persigna de la empatía. Todo lo contrario. Creo que en los momentos de más conflicto es cuando debe de haber mayor empatía. Y creo que esa es una de las grandes virtudes del psicoanálisis, o por lo menos en mi experiencia de la terapia. Entonces, como justamente se están moviendo cosas que parecían dadas y que permitían una familiaridad, que permitía que a su vez dejaba seguir adelante, como se están moviendo esos fundamentos, se necesita abrir mejor la conversación y tener empatía, que es justamente que es esta compasión que no es lástima, compasión por el sentir del otro. Para mí, son términos que me resultan muy relevantes. Y es también el vínculo con las palabras, compasión significa compartir la pasión, es decir, compartir el pathos. Pasión tiene la misma raíz de padecimiento. Compartir el pathos de lo que está sintiendo el otro. Entonces, algo de ese conflicto y algo de ese mover que me lo ha dejado el psicoanálisis. Espero yo o me gustaría pensar que está en las piezas o por lo menos busco. Porque es eso. Al momento de que entra un conflicto, es decir, que entra una pelea. Se empiezan a mover las cosas y gracias a que se mueven las cosas hay creatividad. Es lo que yo comparto mucho con los muchachos en las clases. Hay una cuota o hay cierto impuesto que pone la creatividad y que es el de la incertidumbre. Pero no, no, pero si lo pensamos un poquito… es un poco, no sé si decir natural, pero se entiende por qué. Si estamos creando algo que justamente es crear y que no estaba ahí, lo menos que la reacción mínima que podemos esperar, es la que deseamos, pero se entiende por qué, es la de no sentirnos seguros. No es que esté buscando la inseguridad, pero se entiende por qué viene esa reacción, porque estamos enfrentándonos a algo que no estaba ahí. Creo yo, desafortunadamente, que es algo que no se puede escapar. Pero que esa incertidumbre no se puede sortear. Pero no necesariamente se tiene que sufrir. Se puede utilizar como pensar, puede ser el aliciente, como una aventura hacia algo nuevo que posiblemente no habíamos visto, hacia otros horizontes. Y eso es lo que sí nos gusta y es lo que le pedimos, o por lo menos lo que yo le pido a las piezas a las que veo y espero a las que hago. Enfrentarme con cosas que me resulten insólitas, me resulten increíbles porque no las había experimentado y me están diciendo algo y me están haciendo conocer algo de la vida, algo del mundo, algo de mis compañeros, algo de mis amigos y sobre todo algo de mí mismo que no sabía que estaba ahí. Gracias a ti, muchas gracias.